THE ARTWORK THABEAT VALERA

artwork digital para una empresa de artes gráficas

2011-09-20T11:58:00.000-07:00

artwork Thabeat Valera, septiembre, 2011

artwork digital para una empresa de artes gráficas,
Thabeat Valera, 2011

U.E.S. PINCHAS (LIVE)

2010-10-11T16:51:00.000-07:00

collage and mixedmedia 21 x 29,7 cm june,
2008 artwork by Thabeat Valera

METRO GOLDEN MAKER

2010-10-11T16:50:00.000-07:00

maker platform september,
2009 artwork Thabeat Valera

CHEECH WIZARD CAP

2010-10-11T16:49:00.000-07:00

spray stencils 10 x 5 cm june,
2006 artwork Thabeat Valera

HOMEMADEIN MAGAZINE

2010-10-11T16:47:00.000-07:00

pencil colors 21 x 29,7 cm october,
1997 artwork Thabeat Valera

COLLAGE CD-MIX BUNKERSTORE

2010-10-11T16:44:00.000-07:00

rotring and mixmedia 15 x 15cm september,
2006 artwork Puke Dyamon and Thabeat Valera

DUNA (PAISAJES RECICLADOS)

2010-10-11T16:43:00.000-07:00

spray, pen and makers 45 x 28 cm november,
2007 artwork Thabeat Valera

U.E.S GASTEIZ

2010-10-11T16:41:00.000-07:00

pen, acrilic and mixedmedia 32 x 32 cm april,
2010 artwork Thabeat Valera

ANTAS LETTERING

2010-10-11T16:37:00.000-07:00

tempera and pen 22 x 15 november,
2007 artwork Thabeat Valera

LOS RELATOS, SERES Y ESPACIOS

2010-10-10T13:45:00.000-07:00

LOS RELATOS, SERES Y ESPACIOS

DIGGER
Balada para un delirio

ilustración y texto por Thabeat
ilustración a rotring para Enlace Funk, 22 x 40 cm
publicado en Enlace Funk Magazine nº32
pencil, pen and rotring 30 x 21 cm november,
2009, artwork Thabeat Valera

THABEAT VALERA (ENTREVISTA)

2010-09-01T16:41:00.000-07:00

Contacté con el legendario THE ORIGINAL STAY HIGH, El BRONX 1966, para cubrir una entrevista hacia su persona. Sin embargo, Stay High estaba haciendo una revista de graffiti en Puerto Rico y quería contar con otra entrevista, esta vez hacia mi persona. Vamos por pasos.

The Original Stay High pregunta

¿Cómo empezaste?

Thabeat Valera responde

Empecemos por la base. No he tenido los suficientes estudios artísticos, porque no pude. Soy autodidacta y, como nos ocurría casi a todos nosotros, al dejar el cole me puse a trabajar. Hay ejemplos muy concretos de que un dibujante o pintor puede hacerse a sí mismo, sin embargo soy de los que pienso que es aconsejable o necesaria una formación de tipo profesional para un dibujante, un ilustrador o un pintor. Sí, yo creo que sí, porque de otra forma se pierde mucho tiempo en caminos equivocados. La pintura es demasiado lenta. No te pueden dar un violín y decirte, expresate. Necesitas unas cualidades escepcionales, esos conocimientos básicos para entender el sufrimiento y el tratamiento de la pintura. La propia pintura está por encima de su audiencia.

Puedes empezar por los libros, aquellos que me recomendó en su momento, Luis Garcia Mozos: Tom Wolfe (La palabra pintada), Robert Hughes (A toda crítica), Max Doerner (Los materiales de pintura y su empleo en el arte), Ralph Mayer (Materiales y técnicas del arte), Kandinsky (De lo espiritual en el arte), Andrew Loomis (El dibujo de la figura humana), Salvador Dalí (Triángulo de Leda), o bien, Wilhelm Oswald (La teoría del color). Sin embargo, muchos profesores de pintura imparten sus clases sin lo sustancial, ya que los fabricantes comercializan sus productos sin que sepamos exactamente lo que contienen. Las antiguas recetas para preparar las imprimaciones que se utilizaban en las grisallas y veladuras de otros siglos, ahora amarillean. Todo ello exige una paciencia, una planificación, una metodología y un tiempo que han hecho que hace tiempo se haya desechado por hacer de una obra algo invalorable y nada comercial. Cuando uno se introduce en el mundo del arte, tarde o temprano se ve confrontado, quiera o no, con la pintura al óleo. Giger, entre 1969 y 1971 se dedicó a la pintura al óleo que había aprendido de forma autodidacta: utilizaba gasolina como disolvente para diluir el color, con lo que conseguía textos de gran efecticismo. Como siempre hay excepciones, dignas excepciones que, por estar de vuelta de todo, pueden expresarse sin prejuicios.

Encontrar uno mismo el camino acertado es difícil, y la ayuda de un verdadero profesional ahorra mucho tiempo, aunque no siempre se tiene el dinero, el momento o la suerte. Cientificamente las primeras experiencias dejan profundas huellas en el cerebro. Un ilustrador tiene que ser, antes que nada, pintor. Yo he tenido la suerte de tener una escuela de arte metida en casa, por decirlo de algún modo. Los primeros vodeviles que llegaron a España se representaron en el Paralelo barcelonés, El Molino, el rincón del arte con mayúsculas de la ciudad condal, el mismo donde trabajaban mis abuelos. Mi abuelo, Paco Valera Guió, la pirámide de luchadores de los Valera, no tenía ningún signo cultural que pudiera orientarlo. Tampoco tenía unos estudios de dibujo y pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Mi abuelo era uno de los camareros de la vida nocturna en la primera época de El Molino de 1918. Y un gran amante de la pintura catalana de Fortuny, Tapiró, Nonell, Casas, Meifrèn, Amat, Anglada-Camarasa, Gimeno, Guinovart, Mas i Fontdevila, Mir, Massó, Rusiñol, Roig i Soler, Urgell, Vayreda, Miró... Y con la suerte de conocer, entre los mayores gigantes de la pintura y la ilustración -en aquellos momentos-, al gran Joaquín Sorolla, quien hizo el famoso retrato de la vedette star de El Molino: Raquel Meller, expuesto actualmente en el Museo Sorolla en Madrid. Mi abuela, Maria Paulís, de ojos exageradamente bellos, era una de las modistas de El Molino: quien diseñaba los patrones y confeccionaba, artesanalmente, muchos de los vestidos de la vedettes que pasaban por el teatro.

Cuando veo esas fotos de aquella época donde se dice que el Paralelo era algo tan representativo de aquella Barcelona esplendorosa, sería así, pero yo no la conocí. No tengo nada que ver con eso. Mi dibujo, tampoco. El mundo del lujo, en el seno de mi familia, es algo ajeno. Evito confundir el entorno con el contenido y caer en confusiones. El romanticismo de los cafés, los teatros y los paseos de los jóvenes luchadores, es algo permanente en el interior de mi subconsciente, clavada como una punta de flecha. Toda mi obra tienen que ver con mi vida personal y mi vida tiene muy poco que ver con lo mundano. En este terreno, se suma mi capacidad de grafista para evidenciar un muy personal e impactante modo de expresarme. Por esta razón, el Paralelo, el Poble Sec y el Raval de mi infacia... es algo metafísico. Siempre me pareció muy surrealista. No hay más que contemplar esas aceras. La seducción que ejerce sobre mi melancolía es algo irreal, inusual, es descubrir que las paredes de las ciudades en las que vivimos se han convertido en algo ajeno a nosotros, como algo macabro o dramático.

Hay que trabajar con lo que se tiene. No puedes ir a buscar los temas fuera de tu entorno. Picasso lo decía y yo estoy de acuerdo: "el cine o la literatura se alimentan de asuntos externos. La pintura se alimenta de la propia vida, de lo que te importa." A mí no me llama la atención lo espectacular. Y eso que hay lugares como Berlín, que me impresiona muchísimo. Me identifico con lo que me gusta y con lo que no. Son como yo mismo. No puedo elegir las cosas por su belleza, sino por lo que despiertan en mí. A veces he pintado cosas que no tienen una belleza explicable, pero tienen un elemento de verdad que corresponde con mi vida.

Barcelona es puro dolor, con la melancolía puesta en ese pasado rincón, desde otro punto de vista, que puede interesar a los amantes de curiosidades y a los atraídos por las citas románticas y aventureras. Muchos se precipitaban por el tobogán imparable del alcoholismo y los excesos de todo tipo de coplas. Era la vida social de los años 20 en Barcelona, donde la poesía de los prostíbulos, los espectáculos mundanos y de variedades, las tabernas demacradas, las estampas callejeras de los barrios bajos, y la vida alegre de la pintura, eran el claustro materno que te protegía del mundo exterior. No habían lugares de diversión para la breve existencia de las siglas del P.O.U.M., la escuela laica y libertaria impartida por otros breves históricos como Andreu NIN, o de las luchas armadas de la FAI contra la patronal barcelonesa: pero la vida ha ido cambiando muy rápidamente y de manera muy drástica. Yo prefiero hablarte de pintores que han calado en la admiración de mi familia por la pintura luminista del sol Mediterráneo, como el pintor de pintores, lo más próximo al Velàzquez del siglo 19, a pesar de su temprana muerte y con el permiso de otro genio pintor, Josep Tapiró, el maestro de la mirada interior, lírica, sutil y de profundo dramatismo, Marià Fortuny. También en la linea de grandes genios de la pintura catalana como Meifrèn, Rusiñol, Casas, Gimeno, y Monserrat Gudiol. Obiamente, Fortuny, es en la pintura lo más literal de la arquitectura de Antoni Gaudí o Amadeo Gabino. Tuve un momento de gran emoción similar cuando vi La Sagrada Familia de Antoni Gaudí. En mi opinión, Gaudí es el primer artista que dedicó su catedral únicamente al arte, excluyendo cualquier otro mensaje.

Ya no humano, 1959, Ediciones Minotauro pertenece a las tres calaveras ilustradas en la chapa del triciclo de mi suegro Rafael, un Vicente Escudero del arte español, un cazador de conciencia, de emociones, que apareció publicado, a finales de los años cincuenta, en las páginas de La Vanguardia. El escritor bohemio del Raval, de la vida nocturna, del espectáculo, de los taberneros de la vecindad, Rafael, era un buen amigo de mi abuelo Paco. Son esas sorpresas que te ofrece la vida. Son muchas las cosas que se mueven: las nubes, los coches, los hombres...

Mi padre, Pedro Valera, dibujante y pintor, fue un niño de posguerra, de esa posguerra española que parece haber sido a pesar de todo una fuente de sensibilización y motivaciones. Pero creo que en 1964 se produjo en su vida un cambio total, en el aspecto ilustrativo, al conocer a José Segrelles, el gran maestro valenciano de la ilustración. Segrelles (no confundir con su hijo, Vicente Segrelles, "El Mercenario, Cimoc, 1980") tenía ya en aquel momento 75 años, pero sus charlas con él y sus consejos fueron algo definitivo. Lo transformaron todo. Él le ayudó a comprender lo importante que es crear. Para él -Segrelles-, todo lo demás era secundario: prestigio, dinero, nombre...

Más tarde, Pedro Valera, compartía estrecha amistad con Rafael Auraleón, mítico dibujante en las ediciones de Creepy y todo lo editado por Jim Warren. En mi caso, tuve la suerte de conocer al gran Auraleón desde mi existencia. "Muchacho", me decía, "si quieres ser como tu padre, te vas a pasar la mayor parte de tu vida sobre un tablero de dibujo o frente a un caballete. Trata de disfrutar al máximo cada minuto mientras estés creando y rompe todo aquello que no te satisfaga. Lo único importante es tu propia satisfacción." Soy consciente de que vivo en un universo que pertenece totalmente a él, mi padre. He sido creado a su viva imagen, eso dicen. Creo que es válido decir que estoy inmerso en una época de introspección, de busca de valores, y para ello me he tirado, desde bien pequeño del barullo de él. Apenas salgo de él. Aquí está todo: sus libros, su música, sus experimentos, con nuevas técnicas, siempre aprendiendo de él, Pedro Valera.

Después de tantos años, aún puedo seguir jugando con él, es una pasión. En su Diario de un genio, Dalí afirma citando a Freud: "El héroe es el que se rebela contra la autoridad paterna, y la vence." A pesar de la admiración que Dalí siente por su padre. Sin embargo, yo, me quedo con él en su estudio, con su música, luchando solamente con sus pinceles, tranquilo, sereno, lejos del mundanal ruido. Una decisión envidiable. Desde luego no se trata de una imitación, sino de la recreación de un universo plástico que ha fines de los 60 había prolongado por su cuenta, un continuador propio y específico. Ahora, este continuador existe por derecho propio y por autodefinición, como indican los multiples homenajes a los clásicos hallazgos del apellido Valera.

No se trata de escapar a la vida, aunque a alguien pueda parecerle que todo esto pueda tener una raíz de cobardía, porque vivo un poco de espaldas a la realidad cotidiana y a la competividad que domina mi pasión por la pintura. Soy bastante ajeno a esa lucha por ser de los primeros, por triumfar. Pero, en fin, a estas alturas, cambiar esta forma mía -reflejo de mi padre- de vivir a gusto y entrar en una feroz lucha competitiva para llegar al éxito es algo que no me va, o no sé o no quiero ni puedo hacerlo.

The Original Stay High pregunta

¿Hacia dónde te encaminó tu padre?

Thabeat Valera responde

Tenía cinco años cuando hice mi primera historieta. Soñaba en contar cosas a través del dibujo, como Marià Fortuny, Luis de Morales, Juan Gris, o Gustavo Torner, retratos como los que hacía Josep Tapiró, incluso en hacer portadas como las de Boris Vallejo. Hay que recordar, en primer lugar, el papel de la pintura, mezclando sabiamente temáticas distintas en una sola. Urbes futuristas. Autopistas voladoras. Colores improbables. Trazos perniciosos. Planetas desolados. Máquinas de carne. Sexo. Humanoides. Cybernética. Con esta simbiosis de lo orgánico con lo inorgánico se plasmaba un mundo imaginario, plagado de figuras espectrales, ancestrales. Tales representaciones evocaban el arte fantástico, surrealista, pero bajo un aspecto moderno, afrofuturista. Una recreación del expresionismo capaz de abarcar mundos de naturaleza fáustica y liberal, con todas sus cloacas y vertederos más ocultos. Escenarios ambiciosos, desenfrenados, destellos de grandeza creados por el pincel inigualable de su máxima cúspide, Abdul Mati Klarwein.

Mi camino lo veía en hacer cosas a color, sin miedo a esa esclavitud total. La pintura propiamente dicha, a no ser que queramos realizar un cuadro monocromo, supone la idea del color como una de las bases necesarias, así como el claroscuro, la proporción de la perspectiva. El color proporciona apariencia de vida. La gracia del dibujo y la lograda composición. Tengo un recuerdo espantoso, los dibujos tenían que salir fuera como fuera, sin poderte poner enfermo, nevara o hiciera sol, y aquellos años fueron una especie de pesadilla que condicionó para siempre mi preferencia por el color. En aquella época tenía claro que yo ya era pintor, sí, claro que sí, totalmente. Fue bastante la culminación de todo lo que yo buscaba profesionalmente. Mi padre lo primero que me enseñaba era a pintar, porque consideraba que si no se sabe pintar no se puede ilustrar. Es decir que las bases, las normas de la pintura, son necesarias, porque por narices habrá que aplicarlas posteriormente en la ilustración. Todas las artes están relacionadas, a mi modo de entender.

Si hay algo que lamento es no tener más tiempo que poder dedicar a la pintura, a la investigación, a la aplicación vocacional de todo lo que he ido aprendiendo y asimilando en todos estos años de trabajo. Ahora me interesa la pintura más que nada. Pedro Valera es una especie de Gerhard Richter: a tocado todos los palos, desde el hiperrealismo, pasando por el figurativo y el abstracto. Tras el suicidio de Rafael Auraleón, en 1988, desaparece mi padre y desaparece un montón de gente más que se dedicaba a trabajar para fuera de España. Mi padre, quiso expresar en la pintura ese aspecto fantasmal que puede tener el mundo en que vivimos. Es algo que sólo se aprecia desde fuera. Tiene un tono onírico muy potente. La sensación fue tan tremenda que, después de tantos años mantengo fresco ese recuerdo.

Mi padre se había encerrado en la experimentación de su propio mundo psíquico y pictórico, que forman parte de su cosmogonía personal. Él respeta mucho la historieta, porque es muy dificil, pero la verdad es que se cansó mucho de ella. Fueron muchos años. Además, según dice, tiene un recuerdo espantoso: su carrera no la veía en absoluto como historietista, para las cuales lo cierto es que en aquella época, muchos dibujantes habían caído en unos errores garrafales, de entonaciones, con problemas tremendos. El cómic hoy presenta notables puntos de diferencia con respecto al de hace unos cuantos años. La década de los setenta ha representado en este terreno un giro muy importante en los planteamientos y en las posibilidades de creación, hasta el punto que muchas consideraciones y definiciones del género deben ser hoy consideradas. Aquellos años fueron una especie de pesadilla que creo que condicionó ya para siempre su preferencia por la pintura, el color. La neurociencia indica la táctica contemplativa de nuestro cerebro, un aprendizaje que está cambiando a cada momento. Ahora quizá su meta sea pintar de un modo más libre, más tranquilo.

The Original Stay High pregunta

¿Es verdad que tu profesor actual de dibujo y pintura es el gran hiperrealista español, Luis García Mozos?

Thabeat Valera responde

Sí, es cierto, y si te tengo que hacerte la confesión completa hay que decir que Luis Garcia es mi amigo, mi confidente emocional, y mi profesor actual. Luís Garcia, de los mejores dibujantes de pintura con los que hemos podido crecer. Sólo podemos contemplar su obra, atónitos. Luis Garcia es un genio, junto a Antonio López, Fernando Fernandez, Mati Klarwein, Jean-Giraud (Moebius), Eduardo Naranjo, o el chileno Guillermo Muñoz Vera. Que Picasso haya sido el gran monstruo del siglo XX es indiscutible. Pero tenemos ganas de seguir aprendiendo, con ganas de que en España se vean más cosas además de Picasso. Creo que se usa de una manera abusiva. Me cansa. En este momento preferiría ver menos a Picasso y ver cosas que nunca se ven por España. La auténtica tradición en las grandes obras no estriba en rehacer lo que otros han creado, sino en reencontrar su espíritu, que crea obras nuevas en otro tiempo. Me alegro que Antonio López, actualmente, sea el pintor español vivo, más cotizado. El arte de este país vive paralizado por las caricaturizaciones: Mariscal, este último al que se le ve el plumero desde su incio, no me lo pensé dos veces al exclamar que acabo de ver al mayor impostor del arte catalán, siendo valenciano: todo el montaje social, descarado y grosero, toda la farsa del arte, como parte de esa total mentira con la que nos robaron el mundo natural de nuestra infancia. El artista se hace con muchas horas de trabajo, no por la inspiración de tal o cual régimen político.

Este burgués sigue paseado su perro mascota de los juegos políticos de Barcelona 92, gracias a demás gente salida de la parrilla de amiguetes metidos en altos cargos. Este burgués de culo plano siempre fue una muy mala copia de Antonio Saura. Barceló le quitó la novia mientras se paseaban por los platós ochenteros de TV3 llamando "pijos" a los regatistas. Creo que se ha de ser independiente, aunque las necesidades de protección y de apoyo o el oportunismo lleven a la militancia, lo cual, a veces, cuesta muy caro, por aquello de "no es el momento adecuado para decirlo, desprestigiaría al partido" (desde Bancaixa se le pidió que no efectuará bromas con la entidad), entre otras servidumbres. No hay nada como ser escéptico o un pesimista con corazón de optimista para tener presente la metodología El rostro de la guerra de Dalí, Antonio Saura, revisando la pintura de Goya, La Historia Natural de Antoni Tàpies, El humanismo cruel de Manuel Miralles, Jorge Oteiza y Pablo Palazuelo, este último radicalizando la obra de Malevitch y Mondrian. El Equipo Crónica pervirtiendo el Guernica, Cuixart y Guinovart.
y no a este charlatán sin alma, empresario vitalicio del Cobi.

Junto a Luis, compartimos ese mismo gusto por Diego Velázquez, la teología de la pintura. Así es en todo lo que el gran Diego Velázquez convirtió en pintura, y también animar lo hermoso, dar a lo mórbido sentido. Luís, imaginó sobre la belleza de la dama de Quevedo, que sucedía lo mismo que en los cuadros del maestro sevillano. Luis se trasladó de Barcelona a Madrid. Y es de los pocos pintores manchegos, enamorados de Quevedo, con la suerte de ser discípulo de Antonio López. Un paisaje en la generación de Antonio López se traduce en Luis García, Amalia Avia, Enrique Gran, Eduardo Naranjo, Luis Feito, José Guerrero, o Lucio Muñoz. Aunque estas palabras no son pocas, logro asuntos mitológicos como haber pintado, dentro del Museo del Prado, y a puerta cerrada, cuadros de Velázquez al natural. Luis es ese gran conocedor de la pintura de Velázquez tanto como la cátedra de Fernando Checa (director del Museo del Prado entre 1996 y 2001).

Y entramos ya en el terreno de la pintura poética como el susodicho Antonio López, o bien, Eduardo Naranjo, Isabel Quintanilla, Jose Manuel Vallester, Daniel Gonzalez Poblete, Manuel Franquelo, Alejandro Quincoces, Alberto Morago, Sendo García Ramos, Julio Vaquero y José María Mezquita, por decir algunos, además de los Ticiano, El Greco, Goya, De Chirico, Miguel Angel, Rubens, Ticiano, Correggio, Paolo Veronese, Dalí, Gerhard Richter, Kandinsky, Francis Bacon, Richard Estes, Robert Bechtle, Lucian Freud, Chuck Close, John Salt, y un largo etcétera.

Evidentemente el contacto de Luis es gracias a mi padre, Pedro Valera, quien de bien pequeño ya me indicaba: aprende de Luis. Pedro y Luis, 1949 y 1946, pertenecen a la misma quinta para quienes saben jugarse un chato. Son dos enamorados de la vida psíquica de la conciencia: cosmovisión, subjetividad, intencionalidad y conocimiento, incluídas las percepciones extrasensoriales. Pedro Valera, y su obra oscurantista "En las medianas de Cymobla (Epilogo)", mayo de 1971, tenie aromas de una orfebrería del rasguño poeticosesudo de Luis García Mozos "Nova-2",1981, y Enric Sió "Profanadores de Tumbas",1980. Al propio tiempo el estilo observador transmuta en una sinfonía de gradaciones intermedias entre aspectos individuales, sociales e históricos: Quevedo, Machado, Darwin, Newton, Freud, Huygens, Maxwell, Einstein, Nietzsche, Fiodor Dostoievsky, Hegel, Josep Pla, Buñuel, Garcia Lorca, Burroughs, Huxley, Kerouac, Dalí, Punset, José Donoso, Jodorowsky, Hawking, Philip K. Dick. Un público más exigente, literatura de postguerra, la Beat Generation, el costumismo rural en el cine de Surcos de Nieves Conde, o Jaime Camino a España otra vez. El lenguaje de Pere Portabella, las biografías de Joaquim Jordà a Maria Aurèlia Campany y de Julio Diamante al bailarín Vicente Escudero. Y la Historia del Arte, incluida la pintura del siglo 16. Para Delacroix: "Todos los grandes problemas del arte se resolvieron en el siglo XVI". Fue algo mágico y maravilloso el reencuentro de estos dos genios contraculturales, mi padre y Luis, treinta años después. Quemamos aquel día completo, desde el desayuno hasta el anochecer, entre cervezas y divagaciones artísticas.

Luís, es, junto a Antonio López y Eduardo Naranjo, un referente indiscutible del hiperrealismo, a todos los niveles históricos, artísticos e internacionales. Me cansa Hace cuatro décadas, y desde EEUU ya se escribía sobre él: "nos encontramos ante un verdadero monstruo plástico, un iluminado del pulso, la vista, el gusto, la constancia, la tenacidad, y todo lo que se refiera o incluya en el arte más puro y más sobrenatural."

Luis Garcia es un hombre con una trayectoria profesional de más de cincuenta años a sus espaldas cuya calidad le exige una responsabilidad brutal en cada trabajo, especialista en el golpe de timón artístico en favor o en contra de la corriente imperante. Es esa ambigüedad, esa riqueza de estilos la que le convierte, todavía hoy mismo, en punto de referencia obligado en el mundo de la pintura y la ilustración. Un hombre cuyas inquietudes artísticas demuestran a diario la pluralidad de sus estilos. Un autor que muy bien podía ser calificado de renacentista, pues simultanea el cómic con la ilustración, la pintura con el guión, la docencia activa del taller con la solitaria y reflexiva del articulista de divulgación artística. Un profesional que cuida hasta el último detalle. Luis, deja en todos estos campos una estela de trabajo y armonía, de imaginación sofisticada y sobre todo de genio y talento artístico.

The Original Stay High pregunta

¿Que te interesa y que representas?

Thabeat Valera responde

Soy un consecuente creador de elegantes y enigmáticas obras donde me reafirmo sobre el uso de la luz en su discurso geométrico universal. El arte es metáfora de la vida, de la Tierra y del Universo. En cada cuadro que yo pinto, en cada pintura, ahí lo que intenta estar, por más simple que sea, es todo lo que yo he aprendido hasta ese momento. Me he dejado llevar en un viaje laberíntico, usando, copiando y compartiendo los colores cosmogónicos de la vida: sobrios, elegantes, esos mismos colores inventados y combinados por la divinidad suprema, desconocida, con gran magisterio, y construyendo refinadas tensiones y armonías, ese juego geométrico de luz, atmósfera y misticismo. La temperatura: el realismo fundado en la luz, sin ser De Vinci.

Con la edad adulta decía un poeta simbolista galo que: el niño abdica de su éxtasis. Quizás se trata nada mas y nada menos de que entonces transigimos con todo lo absurdo. Por ejemplo: la primera vez que me puse hasta arriba de ácido fue en los Pirineos, justo arriba de mis orígenes, La Garrotxa, a más de 1.700 metros de altura. En efecto, algunos surrealistas afirmaban que el pintor necesita una segunda visión provocada por la irritación de la retina: esa doble visión que se ha tratado de suscitar con la ayuda de drogas como la mezcalina, los hongos y el LSD, podría ser remplazada con ventajas por ese monócuro electrocular. Ahora, en el mismo lugar y sin ninguna substancia, especulaba en un posible edén, una montaña sagrada, sentado en la cima de la colina. Un paisaje observado desde un lugar elevado. Esas formas retorcidas de las rocas desde donde, apaciblemente van contándose el uno al otro las aventuras que acontecen frente a ellos.

Creo desde ese punto de prisma se puede alcanzar cualquier centro. Creo que se puede aceptar como verdad la divinidad de las propiedades de la luz, por encima de todo. Creo que a lo largo de este camino una sensación invadió mi cuerpo precipitando mi mente a un abismo que revelaban cien nervios. Unas imágenes tras otras desfilan vertiginosamente sobre mi cabeza. Ello implica acabar con la certeza de la imagen visible, es decir, plenamente legible, con o sin el mito del ojo inocente.

Mi trabajo no es una ocupación ni un oficio, es información de una emoción. No és una manera de vivir, és al contrario una manera de no morir, como la poesía o la inteligencia emocional. Una manera de establecer relaciones con la psicobiología. Masaccio se rebelaba contra la manera de pintar gótica. Y yo lo hago contra El Virus: la basura creada por el humano, colocada en orden, la misma basura que estorba nuestro paisaje de una manera agresiva sobre la madre naturaleza y su creación, cualquier río, vegetación o especie animal. Nosotros, pintores del arte, del arte del mundo real. ¿Cuándo se acaba algo que tiene relación con el mundo real? Nosotros somos esa misma naturaleza curando plantas maltratadas por el cemento, rotas con su hilo y aguja, grapas, goma, parches de otras hojas, en lo inútil y absurdo que resultan las soluciones inmediatas y cotidianas. La propia naturaleza refleja imaginación. Seguramente Velázquez, Zurbarán, Murillo y Ribera, tomaron apuntes sobre los primeros impresionistas, los habitantes de las cuevas de Altamira. Como dijo Picasso: "después de Altamira, todo lo demás es desastre." Esas declaraciones me interesan puramente bajo el punto de vista de la teología del arte. Quisiera añadir otra cita de Antonio López: "¿Cómo puedes entender una obra hecha hace miles de años por unas gentes que no sabes sus nombres, con unas culturas que no conoces?, y sin embargo te llega la onda de lo que expresan. Eso es el arte." Amén.

Desde siempre, el hombre ha intentado copiar la luz. Primero lo hizo toscamente. Hace 20.000 años en las cuevas de Altamira y Alpera. Esta idea de formas planas, silueteadas, predominaba en el Arte Egipcio e incluso en los comienzos del Arte Griego. El hombre comprendía, cada vez más, sin embargo, que la vida es un compuesto de innumerables superficies moldeadas por la luz. Manet proclamó: El principal paisaje de un cuadro es la luz. La luz tiene una importancia vital que sobrepasa al tema mismo de la obra. Y yo me pregunto: ¿Es la composición tonal, la idea de sujetar el tema de la obra a la distribución de las zonas claras y oscuras?

En espera a una respuesta, aprovecho la ocasión para vivir enriquecido por los colores cosmogónicos de la madre naturaleza en su esplendor, el mismo carácter hiperrealista de los años sesenta, antitradicional y subversivo de su arte comprometido con la realidad del cosmos, no humana, así como en su interés por las acciones y el uso de un urgente mensaje ecológico. Arte producido por los pintores y dibujantes autodidactas y rebeldes que quieren expresarse, acusar, reclamar, proponer utopías de todo lo que rodea, afecta, influencia, y ser oídos y tomados en serio no sólo por los suyos sino por los que controlan el mundo del arte y por una sociedad piramidal muy conservadora y rígida, que constituye el mundo de las convenciones sociales, obviamente culturales, no naturales.

El arte se ha convertido en ese trampolín indispensable para artistas establecidos. Es la estrecha realización bajo la bandera de la industria de lujo, la feria, por no decir la complicidad entre instituciones oficiales o privadas, cuyos fulminantes entusiamos y exclusiones igualmente brutales reflejan el aumento de una especulación puramente económica sobre las obras, lo cual influye directamente en el éxito de los cuatro artistas de siempre, y la marginación del resto de los mortales: situación de desigualdad que se asemeja ni más ni menos a la del mundo que vivimos.

La principal tribuna, una burbuja financiera sobrestimada en la que se sitúa la amenaza de un crac financiero, en donde uno puede preguntarse una lógica a menudo más económica que artística, corresponde a la creación de los prejuicios estéticos ante la ausencia de imaginación. Los VIP de la cultura y el arte, asociados con visitas a la industria de lujo: Louis Vuitton, Hermès, Guerlain, Chanel, Lenôtre o Dior.

Quizás se trata nada más que de los errores tomados por el arte, producto de esta estética, ese fenómeno tan controvertible y tan difícil de definir. Ese arte aceptado, cada vez más dentro de unos espacios reservados para los artistas que habían cumplido con ciertas estrategias dentro del paisaje urbano. Esto ha ocurrido, en parte, porque muchos de los artistas “de la calle” se han dado cuenta que hay que jugar unos juegos distintos a los que jugaban cuando el dinero y la fama era el paraguas roto de esta cultura. Se han convertido con los años en actores sofisticados de toda la parafernalia que desechamos, artefactos del consumismo.

Mucha gente cree que posicionarse es una pose, pero quizá en mi caso es una especie de reveldía, o de nerviosismo, o tal vez no quiera renunciar a esa última parcela de creatividad que uno considera como la suya. Hacer eso me quitaría la parte más noble que para mí puede tener un pintor: ese momento en que te dejan ser tú mismo, tu disfrutada personal. Y esa disfrutada personal, ese último reducto de libertad creativa dentro de asuntos y temas condicionados por las exigencias del mercado, es algo que yo no estoy en absoluto dispuesto a renunciar. El control de nuestra vida es equivalente a la libertad.

Que España es un país de pintores lo saben hasta en Polinesia, como que Cataluña ha sabido promocionar los suyos a nivel mundial y vía París, de un solo tajo. Y si no que se lo pregunten a los Casas, Massó, Rusiñol, Romeu, Utrillo, Dalí, Miró, Tapies, Guinovart y Picasso. (Este último con la contribución espermatozoidal del genio andaluz.)

Los genios del arte pictórico español se dedicaron a reproducir imágenes de vírgenes, retratos de reyes y príncipes, escenas de la época, indagaron en los estilos revolucionarios. Si Guttemberg hubiera inventado la imprenta en color, Velázquez habría ilustrado la portada del Boletín Oficial del Estado, por poco que el rey se lo hubiese pedido. Goya hubiera vendido sus escenas de la Guerra de la Independencia al Saturday Evening Post de existir. Fortuny habría cedido su Vicaría para ser reproducida en l’Observatore Romano…

Temas tan apasionantes como el humanismo y la literatura, la materia, la mente, enzimas, metáforas, recuerdos, formación de la atmósfera, las estrellas, el hombre y el sol. Temas tan básicos como la construcción de un hombre, la supervivencia, la medición de su espacio, el nacimiento y la muerte. Vale destacar en este aspecto crear ágiles imágenes que plasmen la realidad para torcer la mano hábil y ligera de este mundo tan horroroso que sabe deslizar datos donde conviene o desee hacernos ver. El agotamiento de los recursos y los peligros de la victoria, tales como exceso de educación, de tecnología, de ordenadores, etcétera.

The Original Stay High pregunta

Entonces, ¿Sientes en algún momento alguna inferioridad respecto a los pintores cotizados?

Thabeat Valera responde

Sí, sí, claro que sí, totalmente. Nunca he descubierto la posibilidad de pintar al óleo la auténtica tercera dimensión estereoscópica de Dalí. Es así. He podido sentirla desde hace años, en algún momento determinado. En primer lugar porque hay que especificar quién es más comercial en la Historia del Arte. En la pintura siempre me ha gustado lo clásico porque no me gusta dejarme engañar por los emplastos de pintura ni por los efecticismos. Casi te diría que mi preferido sigue siendo Velázquez, porque nunca pasará de moda. No creo en el ilustrador de impacto. No creo en el artista que de repente hace algo sensacional que provoca su descubrimiento por parte del público, o sea que creo más en una obra menos sensacional y más continuada. Es una opinión muy personal, pero yo considero que la gente muy espectacular puede cansar a los cuatro días, como ha sido el ejemplo de Richard Corben.

No debemos considerar ciertos motivos comerciales con una prostitución de la verdadera pintura. En primer lugar no comparto esa actitud pretendidamente purista por parte de unos sectores que pretenden que la pintura seria o artística es sólo aquella que no tiene de entrada una aplicación comercial. El crítico que dice una cosa así o es que no entiende o es que tiene unos prejuicios enormes de buen principio, que no son válidos en este caso. Ingres, Salvador Dalí, Gerhard Richter, me impresionan especialmente, y con una finalidad tan digna como la comercial. Esas clasificaciones no me interesan puramente bajo el punto de vista de cotización. Para mí Velázquez, cuando hace el cuadro de las lanzas, hace una pintura maravillosa. Uccello, cuando pinta sus batallas de San Romano, también. Miguel Angel, cuando pinta su juicio en el cielo, a mi modo de entender. Marià Fortuny, cuando pinta su batalla de Tetuán, ¡ojalá nosotros supiéramos pintar así!

The Original Stay High pregunta

Háblame de Upper Egypt Series y tus pinturas para Clutchy Hopkins.

Thabeat Valera responde

Toneladas de pintura preparaban el camino hacia el postulado puñetazo sónico de Upper Egypt Series. Con semejante tarjeta de presentación el cover art irrumpía en el panorama cultural al margen de modas, tendencias, elaborando un estilo propio que fundía formas artificiales y naturales, biológicas y mecánicas. Este género constituyó durante su existencia un esquema, un estilo muy personal, dictado por una música, unos poemas y un ambiente muy determinado. El cover art es templo, rito y culto. No por su estética sino por las historias que encierran. En su pintura hay una cuarta dimensión de sugestión que lo aparta de las demás pinturas que conozco. Esta sugestión inacabable lo valoriza y suscita ideas nuevas.

U.E.S (Upper Egypt Series) somos un consorcio formado por Galleta Records, DJ Uve, Charles Louis, Ismael Sustraivibez, y el menda, Thabeat Valera. Y tenemos como eje central el jazz en sus múltiples ramificaciones sin cerrar la puerta a otros estilos que empasten en esa misma visión cosmogónica y universal del alma. Es costumbre de colocar cada significado en el mismo o aproximado lugar elegido. Como cuando tú entras en tu casa y te gusta encontrar las cosas a tu manera.

Upper Egypt Series y los ensayos de los noventa, enlaces y realidades. Kromatik Konstruktions se construyó en 1994, de la mano del propio Fear (Abel). Eran los bocetos iniciales, presentados a fotocopia. Nosotros teníamos por costumbre acudir a los mismos sitios. Abel Galleta, Guillermo Carrion, Sendys, Puke Dyandemo, y uno mismo aún recordamos aquella retrospectiva de Mati Klarwein en el 4art (1995) de Barcelona, y que reunía todas las características emblemáticas de significado. Nos quedamos con ganas de más. Devoramos sus pinturas con los ojos y tratamos de sacar de ello el máximo de aprendizaje, un aprendizaje que no posee ninguna escuela.

Con el placer de ser invitados por la pintora Laure Klarwein y su hijo Balthazar, nos dirigíamos a su actual loft, situado en el corazón del raval. La puerta de los Klarwein siempre permanece abierta como un reloj de sol marcando las 4. Los esqueletos de las sillas africanas tienen más de cincuenta años y están trabajados manualmente sobre aluminio y tapizados con el cuero que se utilizaba para los bongos africanos. Miles y Camaron sonaban de fondo y eso lo hacía todo aun más cómodo.

Baltha Klarwein había colaborado en nuestro proyecto, como también lo hacía para la retrospectiva de Mati Klarwein en New York y en la fundación Miles Davis. Baltha ahora se nos mudaba a Londres. Y su cámara era una prospera familia, cosa gloriosa, tanto en el Festival de Cannes, como en la rodadura de resina y la pintura que habita por el subsuelo barcelonés. Entre visita y visita, Baltha y su hermano acudían, junto a Sendys, Puke Dyandemo y Guillermo Carrion, a la primera fiesta de Upper Egypt Pinchas (Charles Louis + Abel Galleta + Thabeat Valera), organizada en el C3 Bar (dentro del CCCB) por el propio Charles Louis (DJ Asmatic), sobrino de Daniel Louis – batería, a principios de los setenta, de la banda de culto Barrabás.

Tras un contacto anterior, y, cuando todo estaba lejos de las manos del dinero, apareció el maestro. Quien es Clutchy Hopkins es lo de menos. C.Hopkins había depositado el input del art cover sobre mi mesa. Le gustaba que la cubierta del álbum pudiera parecerse a la cubierta del libro de historia antigua, con su giro en su contra. Había absorbido, además de bastante jazz, todo tipo de posibilidades. Incorporaba a su obra un nuevo espacio, un contra texto. Es el resultado bajo perspectivas audaces, insólitas, un juego de colores reducidos, con profusos y vertiginosos picados y contrapicados y escorzos muy marcados.

La cubierta del libro erosionado pertenece a un libro original de actas vecinal de Zapotlanejo, pueblo y municipio de Jalisco, Méjico, fechado en 1811. El espacio en amarillo (ilustración) representa la luz del sol. El espacio del tiempo. La erosión del papel. Tradicionalmente, el amarillo genera energía. También es sinónimo de honor y lealtad. El amarillo, en exceso, puede tener un efecto perturbador, inquietante. El borde dorado: en la antigüedad, el oro fortalece el cuerpo y el espíritu. La bárba púrpura. El color púrpura está asociado con los profundos pensamientos de la mente; la sabiduría, la creatividad, la independencia y la dignidad. La barba de Clutchy se asocia a su esencia.

La cabeza abierta y el ojo saliente. Liturgia onírica asociada en el movimiento de un libro abierto. También en la interpretación de la visión. El ojo azul derecho (en la izquierda de la ilustración) queda estático, visualizando el presente. El ojo izquierdo visto desde un caleidoscopio, con una cromática de tostados marrones, es la visión búsqueda por la tierra antigua. El pasado es el futuro. Yesterdays tomorrow. El rojo es un color muy intenso a nivel emocional. La zona roja representa el metabolismo humano, aumenta el ritmo respiratorio y eleva la presión sanguínea.

Uno de los fascinantes descubrimientos en el estudio de la moderna oftalmología es que, el ojo puede ajustar su centro focal a distintas distancias, para reconocer distintas cantidades de luz, y para corregir las desviaciones esféricas y cromáticas, pudiera haber sido formado por la selección natural. Existen tres movimientos del ojo casi imperceptibles. Éstos tres, denominados ' temblores, giros y sacadas', son causados por diminutas contracciones de los seis músculos ligados a la parte exterior de cada uno de sus ojos. Cada fracción de segundo estos músculos cambian ligeramente la posición del globo ocular, automaticamente, sin ningún esfuerzo consciente de su parte, haciendo posible lo que conocemos como visión.

The Original Stay High pregunta

Háblame del proyecto Croixsang Gallery...

Thabeat Valera responde

Este país está subiendo de temperatura. Croixsang Gallery somos: Popay, Fasim, Nikolaki Parades (Sixeart), Blobs, Rorro Berjano, Cisco y Thabeat Valera. Sin duda, este arte, tiene poco que ver con el niño que, repartía su tintero por las calles de una ciudad sin alma. Entonces buscaba un trabajo que le reportara algo más que ya la cargante muestra de admiración que se traducía como "qué manos tiene el chiquillo" en boca de sus mayores. Como autor, logró realizar una diabólica necesidad, que no es otra que meter la mano en las arcas del arte. Ha pasado mucho tiempo y el que un día no preguntaba, hoy tiene respuestas para todo cuanto se le pregunta. Croixsang pinta sus cuadros como si lo viéramos y oyéramos al natural. Es curioso porque entonces lo hacía igual que ahora, con el pincel, meticulosamente, y no como se piensa que puede dibujar un niño de trece años, con trazos ingenuos y demás. Quizá el retorno del lápiz sea parte de esa segunda infancia de la que habla Antonio Machado. Hay detrás suyo mucho sueño, mucha página de romance, pero le gusta ir de impenetrable por la vida y poner gafas de sol delante de sus miradas. La impasibilidad que parece transmitir su expresión inmutable es sólo eso, un parecer bajo el que se esconden torbellinos de ideas, intuiciones y suposiciones. A fin de cuentas todo autor tiene derecho a buscar su propio camino y su forma de expresarlo.

The Original Stay High pregunta

Empezaste a pintar en las calles en 1991. Cuéntanos, ¿Qué és para tí el graffiti?

Thabeat Valera responde

Siempre me ha gustado la vida al revés. Por eso pinto Isa74, fecha y diminutivo de Isabel: el nombre de mi mujer, esposa y amante, mezcla explosiva de sangre alemana y andaluza. No necesito pintarla con dos chuletas en los hombros para expresar mis ganas de comérmela. Ella es mi nobleza, mi cesta de pan. Nada se asemeja más a un ángel que un cisne, y más a una Madona que una Leda. También utilizo mis acentos prosódicos: Thabeat, Beat, Homemadein, Joules Planck, Humanoid74, MCM (Metro Golden Maker). El graffiti es la única distribución a mano, por eso sigo pintando en la calle, a pesar de los avatares. Te trae el desayuno a estas horas de la noche. Es él quien te dice: vayamos a alguna parte donde podamos divertirnos los dos sin tener que soportar a todos esos mirones. Todos tenemos una segunda oportunidad. El despertar de los tímidos, ¿me explico? Tarde o temprano encontraría mi sitio para pintar la rareza de mi estilo. Por esta razón no sólo tenemos derecho sino también la obligación de conservar las virtudes de nuestra propia individualidad. Si quieren escolarizar este movimiento, conmigo que no cuenten. Cualquier copistería de barrio ya dispone de este servicio. No he naufragado para trabajar en vano. Somos los dueños de nuestra vida, nuestra mente y nuestra emoción. Y aquí se acaba el cuento.

LOS RELATOS, SERES Y ESPACIOS

2010-07-09T01:10:00.000-07:00

ENLACE FUNK Nº35

LOS RELATOS, SERES Y ESPACIOS

artwork por Thabeat Valera (Upper Egypt Series)

pencil, rotring and mixedmedia 30 x 21 cm may, 2010 artwork Thabeat Valera

KO-HI-NOOR

2010-06-01T06:05:00.000-07:00

scanner y colección Thabeat Valera

Hace 40 años, Rafael Auraleón regaló a mi padre este lápiz de dibujo, fabricado por los checos en los años 50, de la casa austriaca KO-HI-NOOR, modelo TOTSON D'OR VERSATIL 5900. Mi padre me ha regalado este lápiz con los ojos emulsionados. Orgulloso de un padre así.

Como me ha comentado mi vecino Enzo: una herencia de responsabilidad y respeto hacia las cosas hechas a mano, valores que nunca deberían perderse.

LOS RELATOS, SERES Y ESPACIOS

2010-05-25T16:04:00.000-07:00

ENLACE FUNK MAGAZINE
artwork por Thabeat Valera

pencil, rotring and mixedmedia 30 x 21 cm may,
2010 artwork Thabeat Valera

HOMEMADEIN

2010-05-25T16:00:00.001-07:00

scanner y artwork por Thabeat Valera

Judax 30 y Thabeat Valera. El palo y la piedra. Las armas primitivas desde que originó la humanidad. Algunos humanos, ingeniosos y apañados, han ido creando sus propios objetos desafiantes sin más complicaciones. Si tenemos en cuenta que la tipografía es el golpe o huella, HOMEMADEIN es el artefacto que cumple con la etimología de nuestro propio marcador. Reúne la esencia de todo arte bélico. Un recurso popular barato, pernicioso, casero y simple. En definitiva, el ideal. Ninguna empresa fabrica el producto adecuado en el momento adecuado. Los objetos cotidianos han otorgado todo tipo de facilidades para la elaboración del marcador artesanal. El único y original. Los emuladores de fábrica no sirven cuando intentas reflejar un concepto bastante olvidado.

HOMEMADEIN

2010-05-25T15:59:00.000-07:00

Judax30 y Thabeat Valera

Judax 30 y Thabeat Valera, rodeados de la selva claustrofóbica, saltando de árbol en árbol y comportándose en todo momento como auténticos simios, bajan de la rama para presentar este reino selvático llamado HOMEMADEIN: método duro, pero totalmente eficaz.

Los productores de la linea de sudaderas molonas confeccionadas para este verano 2010, tanto por las condiciones climáticas como por la mala disposición de los caminos y la superstición latente. Criados en este marco de lujo, en la jungla de su extraña historia lanzan los tres modelos HOMEMADEIN de edición limitada y en cuatro tallas: S, M, L, XL

Homemadein modelo Pete Best

Homemadein modelo Raoul Walsh

Homemadein modelo Marcel l'Herbier

PINTURA MARGINAL

2010-04-11T14:39:00.001-07:00

ENLACE FUNK Nº 34
LOS RELATOS, SERES Y ESPACIOS

COVER ART

ilustración y texto Thabeat Valera
acrilic with spray 100 cm x 200 cm 30 saturday january,
2010 artwork Thabeat Valera

CLUTCHY HOPKINS

2010-04-11T13:29:00.000-07:00

artwork Thabeat Valera

Clutchy Hopkins
The Story Teller (LP/CD)
Ubiquity Records, 2010

FASIM

2010-04-01T03:03:00.000-07:00

entrevista por Thabeat Valera

artwork por FASIM

A llegado una nueva era en el arte plástico con una temática asentada principalmente en la innovación. Es bueno apreciar su estructura, disfrutar su arte narrativo, pero es mucho mejor sufrir sus consecuencias sin ser advertido.

Tiene el aspecto de un caballero español, y lo es. Tiene una edad insolente aún para quienes cuentan menos que él. Este hombre, ni viejo ni joven se llama Germán pisando la arena de su playa. Aunque, si hubiera sido peludo y monstruoso, habría dado igual. Es la historia de Fasim, de un alpinista de las artes plásticas. Es la historia de su mundo fantástico, el estudio de los tonos blanquinegros, pasando por el tratamiento del color, que llega a la confección personal, sin caer en el mero esteticismo. Y con su compromiso de sacar a luz la oscuridad de las catacumbas expresivas. Si colorear catastróficamente fuera un delito, Fasim llevaría mucho tiempo metido en la cárcel.

FASIM
SUBSISTIR EN TU PROPIO CUADRO

Lo conocí por el nombre prohibido de Fase, hace más de dos décadas atrás. Siempre nos veíamos torcidos, solo con un ojo y con doce neuronas adormidas. Se da el caso de que encajonamos como juveniles subterráneos, cuando ante todo se trata de un estilo ágil, fresco y desnudo, impecablemente dibujado del lado más salvaje y descarnado, en uno de aquellos veranos perdidos en el momento glorioso de éxtasis pernicioso barcelonés. Los hay que no necesitan tales sistemas para contar bien una historia. Yo, con un cierto desorden de delirantes fantasía venusianas, selenitas y de toda la retahíla prohibida, era un recién llegado ha su sede de formidables perturbaciones magnéticas, con la glacial, con las innumerables montañas tenebrosas, borrascosas, horadadas por cavernas inquietantes, donde todo es hostil, peligroso, mortal.

Llevo en el interior de mi cabeza, desde mi infancia, una araña tan grande como mi estúpido cerebro. Jugaba y pulsaba con refinada exquisitez, de maligno origen, sobre relieves y papeles para siluetas que enfrentan los misterios del surrealismo esotérico de Giger y Beksinski. Hay algo especial en el terreno prohibido. Algo perverso, incluyendo el choque de este caótico submundo. Ay señor, el infierno… El infierno es no tener ahora aquellos quince años de edad . Pero como nunca se ha dejado de viajar, este retorno tiene ciertas características especiales a una reflexión de su actitud militante junto su comité de talleres vidriosos y oscuros. Algo había cambiado en las calles y en el color del cielo. Eran los noventa y la compañía transportadora de caudales, donde transportábamos el preciado tesoro lisérgico contracultural. Es que hay muchas formas de drogarse, pero hay una especie de trance donde Fasim toma las riendas. Puede ser algo más allá de la conciencia, o quizás los dioses que no existen, el genio o qué sé yo. Él es la inercia de los pocos españoles que aparecía en las páginas de publicaciones internacionales.

La coña consiste en saber identificarlo y adivinar quien es el marco oscurantismo de Fasim. Culto y poseedor de una lujosa galería de arte dentro de su submarino, el sumo sacerdocio de la contracultura española. Está lo suficientemente comprometido, lo bastamente marginal. Responde a un arte profundo y penetrante, tentacular, viscoso y retorcido. Y las admiraciones siempre se han caracterizado por buscar un compromiso. Yo no creo que haya etapas nuevas, ni cambios radicales, sino que constantemente está influido por las circunstancias cotidianas que le rodean. Son cosas muy apocalípticas y perturbadoras, y las situaciones surgen y se extienden a borbotones.

Mira, yo creo que en este país quieres funcionar, no hay que olvidar lo que estéticamente nos marca a toda una generación. El problema es que no lo puedes prever demasiado porque siempre has de descentrarte de toda esa mierda tendenciosa, vulnerable, patética. Somos autodidactas, con las pintas de haber dejado la camioneta de reparto en la esquina. Bueno, podemos aplicar todo esto a que no asistimos a ninguna universidad del arte.

A mí, en las escuelas siempre me echaban. No podía reunir ni siquiera lo suficiente para ser un degenerado y pagarme un poco de elixir paregórico o unas anfetas para ir tirando. Es que es tremendo, oye, en lo que quiere la gente que te conviertas. Te enseñan a pretender convertirte en alguien. Fasim tiene las fuerzas sobradas para haber pintado mucho, demasiado, por eso le aburren las ambiciones del personal. Y para mi no tenía ningún valor hacerle algunas preguntas formales: que pintores aprecia más, qué condiciones debe cumplir un pintor para tener valor. En nuestros encuentros había un castillo construido con tierras y conchas, un escarabajo negro y pulido.

Fasim y Thabeat. Seres informes de oscuro color se retuercen por el espacio con cualquier viajero tinto crianza, mas las veces entre sorbo y sorbo, que les hace boquear y lanzarse contra cualquier objeto que excite curiosidad. Estamos poseídos por nuestra deidad aguda. Largas horas de poesía sentados en su negro trono, en el centro mismo de nuestro caos interior donde ningún sueño, por terrible que sea, posee la facultad de dar nuestro sinnúmero de formas distintas y cambiantes. Y tan sólo mediante la simple concentración mental.

Fuiste de los primeros escritores, con acierto, en revolucionar el graffiti hexagonal y salvaje a mano alzada, en la estela de quienes lograban sobrevivir algún tiempo por sus propios medios. A modo de restos de un apocalíptico naufragio, y a cierto nivel de importancia artística, cuéntanos tus primeras experiencias con el dibujo. Creo que merece la pena detenerse a explicar cómo fue aquella época, y lo que podía significar para un muchacho como tú, aquello.

La época del Graffiti en mi vida fue en primer lugar; La libertad, la huida hacia mi destino en la pintura, el doblegar la voluntad paterna, como un combate de boxeo de voluntades, ¿sabes?, me explico, para hacer lo que tu quieres en la adolescencia siempre tienes que pelear muchos asaltos y dar el K.O. si quieres seguir, porque si no se te hará hacer lo que otros quieren y eso para mi es castración y locura ajena ante mi voluntad de acero y escurridiza como una rata. Este era mi caso, con 15 años ya nos colábamos en el metro a pintar trenes y salíamos tarde de casa, como comprenderás para mi era muy difícil, me tenia que escapar por la ventana de mi habitación que era un bajo, en plena noche, después volver a casa lleno de mugre y de pintura para recibir la santa bronca a las 8 de la mañana. Pero lo hice durante años, con los correspondientes malos rollos y hostias que acarrea el enfrentamiento. Por eso quizás aun me crecía más y llegaba cada vez mucho más lejos.

Mi vida en esos años 80 barceloneses la recuerdo muy bien (sin nostalgia, pues la viví DEMASIADO intensamente), era un pequeño Huckelberry Finn, siempre metidos en el metro y en los trenes, firmando, robando “taggers”, andando por túneles, sabíamos todos los trucos del metro, hacíamos correr a los seguridad que nunca nos cogían (J.J. Bros), fumando porros y a veces durmiendo en los trenes. Teníamos todo un submundo hecho a medida, pequeños pillos que se las ingenian de maravilla en el mundo de los adultos e imponen el suyo propio. Robábamos cantidades insolentes de botes tío, eso si era divertido, ya te digo, cantidades bastante abrumantes, llegaba a tener 100 latas en mi casa, jeee… Imagínate, un niño con una pequeña fortuna en su pequeño cuarto, antes los sprays valían 800 pesetas, las grandes, mis abuelos flipaban.

Pero esa ha sido la constante en mi vida, sortear los contratiempos y salirme con la mía siempre, si has leído “La conjura de los necios”, que seguro que si, sabrás que dice por ahí, “Se descubre a una persona inteligente cuando ves que todo el mundo esta cabreado con el”. Pues eso.
Pero aparte de “eso”, debo de contarte una historia para que entiendas entre que parámetros me muevo a la hora de crear, creo te va a gustar; Me encerraba en mi habitación y me tiraba mil horas haciendo que estudiaba y me liaba a hacer unos dibujos muy extraños, empezaba una cosa y se parecía a otra y así continuamente, hasta llegar a formar algo parecido a ahora, mezcla de Graffiti y de abstraccionismo gótico, letras con dibujos hasta llegar a formar un todo, toda una pieza con mil piezas fragmentadas, tenia los libros de texto TOTALMENTE bombardeados, hasta el punto en que me tuvieron que comprar unos nuevos tras previa reunión con el director.

Me sudaba la polla en que clase estuviera, siempre me ponían en el ultimo lugar y dibujaba en todas las clases ausente y anárquico, al final, hartos de mi me echaban y seguía dibujando en las escaleras con el frío y la soledad, HABIA VENCIDO, así es como quería estar y esa fue mi verdadera primera escuela, evidentemente suspendía hasta gimnasia, jajjjaja. Y leía, leía bastante para ser un niño, me abstraía con gran “fatalidad” en el dibujo y en la lectura, en mi cuarto he navegado por los mares del sur y abordado barcos sin piedad ninguna para los prisioneros.
A la hora de crear me pasa lo mismo, me sumerjo dentro del cuadro LITERALMENTE, soy el cuadro, el pincel es solo un esclavo, mi mano es una prolongación de mi mente que viaja con el ojo “capturando” las imágenes que se me sugiere misteriosamente por submundos desconocidos y figuras inquietantes, un barco a la deriva que consigue llegar a puerto sin velas y sin mástil, pero que incomprensiblemente, llega.

Una vez en LA MAKABRA donde viví un año, colgado de L.S.D., tuve que girar un gran 2x2 metros, con muchas figuras porque en mi delirio me invitaban a entrar, había un gran fiestón lascivo y decadente allí dentro, todos bailaban y reían maliciosamente, animándome a entrar en mi propia creación, me asuste de verdad, me arrepiento de no haber entrado, de no tener el valor suficiente de cruzar el espejo, jejjjeje…

jajajajjj Dibujar es una revelación del alma, de tu situación personal. Sentimos la necesidad, la obligación de ser nosotros mismos. A los ocho años podía dibujar ojos cerrados, caras sudadas, vértices, penetraciones, felaciones, órbitas sexuales, la desviación, todo lo que era alegrar los bajos, y sin haber practicado su caldo brujo ni su calor. Admiraba las agitaciones sexuales impartida por la chapuza y la lisergia de Herikberto, los tiempos duros de nuestro querido Luís García, o bien el hervor de Funny Valentine de Guido Crepax. No es sólo el depósito de nuestros sueños, ni todo es soplar y hacer botellas. Los caballeros pagan a las putas para que hagan cuadros. Y a mí me gusta pensar que nuestra bárbara, que no caballerosa imaginación abre sus puertas, y nunca mejor dicho, porque así lo decide. Su capacidad de naturaleza, la envidia por su manera de gozar. Desde entonces me gusta viajar en platillo volante con la mujer femenina, interior y exterior. La masa está siempre equivocada y además corre el riesgo de que la equivoquen caballerosamente. Caballeros guarros de mierda, y a pesar de ir vestidos, llevar teléfonos, esa información genética nos dice carne, y entonces queremos inseminar a pesar de nosotros mismos. Me gustaría pensar que el humano está destinado, justo para tareas menos absurdas y mundanas. ¿Cual es el papel fundamental y sentimental de tu arte?

Bueno, para responderte a eso en su totalidad tengo que remontarme a mi infancia (mas adelante se revelara su sentido), donde sentado en la taza del WC en la casa de mis abuelos paternos, en los 80 en el barrio Barcelonés de la Trinidad, donde vivía, mientras cagaba me entretenía mirando en el jaspeado alucinante de las losas antiguas del suelo, ya sabes, esas que son marrones a tonos mas claros y oscuros a topos que tienen mil formas, e imaginaba cosas, imaginaba todo tipo de figuras imposibles pero para mi muy posibles, entre figurativas y abstractas. Recuerdo que tenia algunas “capturadas”, las reseguía con lápiz en un intento de inmortalizarlas, pero mi empresa y mis primeras “obras” se veían continuamente frustradas. Mi abuela, pulcra abuela de barriada, al fregar el lavabo desaparecían de nuevo y tenia que reseguirlas una y otra vez por que para mi eran muy importantes, pese a los pescozones que recibía, también, una y otra vez.

Recuerdo en especial una muy clara, ¡era mi favorita!, era un perro que con la oreja y el morro también formaban una pistola del oeste, un colt-perro alemán, era brutal y aun la he visto cuando he vuelto a cagar en ese lavabo pequeño y lleno de recuerdos, claro que ahora si me pongo puedo ver al Papa bailando gravemente o a los gnomos haciendo una orgía sin Blancanieves, entre otros cientos. Siempre he tenido una fantasía desbordada, una imaginación que me conllevo un sinfín de problemas sociales en mi infancia.

Todo esto ocurría mucho antes del Graffiti.
Siempre he visto otras formas en las cosas, el desdoblamiento imaginativo y consciente de la realidad que sabe a poco. Un juego de la mente, un poema sin pies ni cabeza pero de tres patas. Años después vería figuras retorcidas, rostros, aberraciones sufrientes, risas hilarantes, monstruos-persona-sombrero, sexo, pollas, coños, culos, gente de otra época con sufrimiento antiguo, animales-humanos, etc… el dramático y trágico desfilar de la humanidad. Era mi juego secreto, un juego del que nadie de los adultos que me rodeaban era consciente ni podía jugar a el. Después del Graffiti, a los 21 años empecé en serio con la pintura, el Graffiti se me había quedado pequeño, había llegado a mi limite, saciado y aburrido, ya se que esto puede extrañar a muchos, pero también pasa con alguien de alma creativa muy inquieta. Pinté en silencio durante años sin ánimo de lucro ni de fama y buscando un “posible” lenguaje propio, mas acorde con mis obsesiones latentes. Pase por todo tipo de influencias pictóricas, desde Picasso a Chagall, de Tapies a Basquiat.

Vivía solo y me compraba muchos libros de pintura y de literatura que absorbía con avidez, iba a los museos de Barcelona solo, mi gran amado Museo de arte Moderno, recorría las galerías de la calle Consell de Cent, las galerías del Gótico y toda exposición que me interesara, iba a saciarme de los pintores en directo (que es mejor que mil escuelas) y volvía a casa encendido y loco por pintar. Admiraba en secreto a esos pintores que tenían un lenguaje propio y que me pulsionaban en silencio y detestaba a los mediocres que no conseguían arrancarme ni un ápice de sentimiento por pequeño que fuera, entre ellos muchos del Graffiti nacional e internacional.

Debo decir, que antes nadie se interesaba por la pintura-pintura ni por la literatura en la escena del Graffiti Español, así que me iba solo, a veces con Dose (Zeus), que también es ávido consumidor de arte. Pasaron algunos años después, (después de muchísimas marabuntas de problemas y situaciones de trapecista con riesgo), en que me negaba a difundir mi obra ni a mezclarme con gente del Graffiti y del Street Art, solo con Pone88 o con SixeArt entre otros, aun no había encontrado mi lenguaje con el que poderme expresar REALMENTE, aquello que ardía en mi pecho y que en parte dormida, o alergatada, la literatura, la poesía y la pintura-pintura, habían logrado despertar en mi.

Efectivamente, la fantasía, el sentimiento, la espiritualidad y la sexualidad están muy lejos de las bazofias con que la sociedad nos bombardea cada día. Por eso creo que la ola que nos invade es más bien mierda. Todos somos o seremos abortos. Dios debe de ser el primer partidario del aborto, ya que a ninguno de nosotros nos deja más solución que la muerte. Siempre nos resultará espinoso, y más para quienes pretendemos comprometer al arte y probar que el arte tiene que ver con la angustia, demostrar que se puede comprometer con la pintura marginal. Esta buhardilla es el símbolo de la miseria. Quizás tus cuadros son de contenido más liberal que tu graffiti execrable, entre los fúnebres redobles de tambores. Serán tus terribles descubrimientos, sultán del demonio, gracias a tus horrores y blanquinegros disfraces. Se sabe exactamente cómo ni cuando.

Después de un millón de intentos, entregado y febril, en 1999, llego muy lentamente, algo parecido a mi propio lenguaje, algo apenas audible y parco, pero, ¡QUE COJONES!, ¡ERA MIO! Era algo parecido a pintar almas, almas en desasosiego continuo, almas que reían sin boca y sin meritos, personas pudriéndose en la obscuridad más absoluta, como… desintegrándose o quemándose al son del tiempo y bailando.

Por fin podía pintar todo eso que había visto por las calles (y no me refiero en absoluto a los escaparates bonitos, a los niños correteando por los parques, las bellas muchachas en mini falda o todo eso que la gente ata con cuerda de esparto, frágil y de tacto rudo, que se denomina equivocadamente, “LO BELLO”, me refiero a todo ese sufrimiento alegre que campa por cada una de nuestras caras, calles y avenidas, a todo lo visto hasta entonces con mi visión tuerta de poeta, a todas esas personas anónimas que van y vienen en la era contemporánea y que sin cruzar apenas miradas llevan muecas de soledad, angustia y decepción, POR DONDE QUIERA QUE VAYAS Y POR MUCHO QUE LOS VEAS REIR.

En fin, a todo este desastre del paraíso prometido y nunca ofrecido por Dios alguno, ni por poder alguno, NI POR CIUDAD ALGUNA, ya que yo pienso que el ser humano, lleva una gran desgracia a sus espaldas por muy rico que seas. El ser cuerpo humano acarrea siempre tristeza y miedo a la muerte, a la miseria, al desamor, al acostarte y volver a despertarte, a las enfermedades mentales, a la locura, a esta ciudad que devora almas a cada segundo, a los horribles paisajes desolados de las grandes ciudades, que descompone en vez de forjar seres mas dispuestos a la vida, nunca enseñados y a no entender nunca “que” pasa y lo que es mas cruel aun, el “que” pasara después con nosotros de ser utilizados y arrojados a la muerte.

Después de muchos años MAS, (10 mas), de pulir este lenguaje mío tan horripilante y “bello” a la vez (bello solo para mi pues entiendo el sufrimiento como la máxima de la vida), ya sabia lo que estaba haciendo, ¡HABIA VUELTO A PINTAR COMO CUANDO ERA NIÑO!, de nuevo.

Cargas la pintura de un dibujo que quiere ser dramático, expresionista, pero sólo con la condición de revelarse a sí mismo. Dicho de otra manera: el horror no está aquí representado directamente, sino que se representa el modo de representarlo. El uso de tus contraposiciones sirve para degradar los paisajes del ser humano en planos alejados, contrastando con las perspectivas oblicuas y tortuosas de primeros planos de rostros y cuerpos que acojonan. La vida a veces es así de miserable, tanto como las atrocidades aparecidas en Mort Cinder de Breccia, en Necronomicon de Giger o en Bosz Art de Beksinski. La cuestión es salir de casa. Un gran abrazo al ambiente terrorífico, sanguinolento, imponente y espectral. Y tu pintura no muere, sólo mueren los hombres que visten el disfraz.

Mi pintura no quiere agradar aunque lo haga, sino mas bien actuar como un espejo, un espejo en el que nada se escapa a nada, un espejo que refleje a esta era contemporánea tan prodiga en grises y en matices de soledad y en decadencia y que este espejo devuelva la mirada, que como Perseo a la Medusa en su cueva, acabe convirtiéndola a ella en piedra, por razones mas que obvias.

Si se sucumbe se te aparta, si fallas se te elimina, si te has vuelto loco se te encierra, pero a la causa nadie la juzga, nadie la ataca, “así es la vida” oigo decir constantemente ante los hombres que deberían ser guerreros y no ratones, osea, sumisión y humillación. No cabe la compasión en el país de Don dinero que todo corrompe, no hay sitio para MOMO. Esta era tan risueña y tan falsa, llena de espectros mal heridos a quienes la gente pasa por encima de su historia de puntillas por no pisarle el cuello pues ya va apuñalado, donde se come bien y se duerme mejor, mientras que el otro medio mundo arde en llamas, donde los niños mueren de hambre, ¡LOS NIÑOS!, donde los Políticos destruyen lo creado anteriormente por pura codicia, sin arreglar nada.

Donde la religión es una gran Dysneylandia de la mentira y de la falsa moral que huele peor que las cloacas del Vaticano, donde se juzga lo ajeno con una insolencia sin limites y escupen como reyes borrachos de poder a las frentes de los ilusos y de los desesperanzados que se entregan al abismo con alegría fanática y ojos vendados, osea, que todo sigue igual pero de distinta manera que en el siglo XV. En un mundo donde la vida ha sido difuminada, donde solo somos meros espectadores de un juego destructivo, donde asistimos con bocadillos a presenciar las guerras enfrente de su TV, peleándonos por los mejores asientos, royéndonos los huesos.

Acabo de venir de ver una exposición de Julio González, en la cual me ha impactado gravemente el volver a ver una mascara de la serie “La Montserrat”, en bronce, el grito del horror a los bombardeos en Barcelona 100 años antes que hoy, también el grito de todos nosotros desprotegidos a cualquier masacre gratuita desde el aire, una cara que son todas las caras reventadas, una mascara que no oculta ya nada por que todo le ha sido despojado, incluso el derecho vital de morir dignamente, esa mascara es una revelación. Ese es el hilo conductor en el que el pasado y el presente de todas las épocas se dan la mano y se relevan en el arte, ese es mi sito, ese es el hilo por donde yo camino. El arte sirve para algo más que para decorar museos, es el alarido crónico e infinito de una existencia humana peligrosa y en el borde de la autodestrucción por simple curiosidad. Un despertar de las conciencias cegadas, un aviso de que aun estamos a tiempo.

Donde ya todos somos Jesuscristo crucificado y en el costado bien tajado para no escapar de nuevo a los montes y vivir dignamente. Y yo me pregunto cuando camino casi encerrado por el cemento, ¿Qué es la libertad?, ¿es esto real? ¿O vivimos una idea programada de otros? Somos la máquina que mueve toda esta locura, eso seguro, llenos de grasa-mierda, somos los responsables de que las galeras funcionen al ritmo del látigo. Todos tenemos un número de serie impuesto y estamos ferozmente vigilados y obligados a enseñar la papeleta por gorilas de palo grueso. Esto no es vida amigos míos. Esto es alienación.

Mi pintura, mezcla de consciencia-inconsciente, de agrado dudoso fuera de lo “guays” (¡que guayyy!, dicen, jajjjaja…), donde todo puede ser, por que ya ha sido en algún remoto confín, hacer de antena a tanta hipocresía y plasmarla, hipocresía ajena al dolor y a la realidad que nos disimulan con ocio nocturno (y sus drogas sintéticas histéricas), a la moda y sus horripilantes cadenas, al consumismo alocado y exacerbado, a la falsa enseñanza de vida disimulada en grandes catedrales de la incultura y sus libros a precio de oro y diamantes inalcanzables para el hombre medio, a enormes y marcianos museos de arte contemporáneo donde nadie entiende nada ni nadie se ve reflejado porque solo hay juegos artificiales de muchos colores, a las pilas de restos humanos cuidadosamente ordenados donde reposaremos, a los cuales humanamente se les llama cementerios. . A TODO ESO INTENTO YO GRITAR Y REPRESENTAR. Y a todo lo demás. El color ha huido de mi repertorio.
Pues de veras te digo que no pienso al pintar, la pintura surge sola, y se manifiesta así a través de mí, solo soy su amante.
Añado una frase aproximada de Gilbran; “El no querer ser comprendido, pues quien nos comprende nos quita algo de nosotros mismos”.

La aglomeración humana que habita la tierra, se ahoga, el entorno es asfixiante, espeso, maloliente. Las iras de los celadores de las bellas artes. Guarros de mierda que se amontonan y duermen en ellas. Mercaderes de pierna ortopédica. ¿Existen encuentros que aceptan conexión entre el noble arte pictórico y la contracultura de pintores que proceden de familias que saben “que más cornás da el hambre”? ¡Y un rábano! Temas tan apasionantes como el humanismo y la literatura, la materia, la mente, enzimas, metáforas, recuerdos, formación de la atmósfera, las estrellas, el hombre y el sol. Temas tan básicos como la construcción de un hombre, la supervivencia, la medición de su espacio, el nacimiento y la muerte. Vale destacar en este aspecto crear ágiles imágenes que plasmen la realidad para torcer la mano hábil y ligera de este mundo tan horroroso que sabe deslizar datos donde conviene o desee hacernos ver. El agotamiento de los recursos y los peligros de la victoria, tales como exceso de educación, de tecnología, de ordenadores, etcétera. Porque la droga, finalmente, no es un medio de evasión, la droga es la propia pintura, para aumentar el estimulante goce, sin ser un polla dura que se corre en su propio pantalón.

Antes de terminar, espero que la academia, tan bella, tan clásica, y tan conservadora ella, y por error, tome esta entrevista de FASIM y THABEAT y lea lo escrito, y luego la arroje indignado al fuego. Nuestras sacrílegas palabras jamás serán ni remotamente aceptadas. FASIM, eres el PINTOR ESPAÑOL, y tu proyección hacia el verdadero mundo que todos nosotros, sin darnos demasiada cuenta, estamos compartiendo con seres aún desconocidos. FASIM, el tiempo no existe y llevamos muchas horas sin dormir, ¿algo que decir?

SOY UN PINTOR ESPAÑOL, VIVA GOYA.

THE STORY TELLER

2010-02-25T05:25:00.000-08:00

artwork por Thabeat Valera
texto por Andrew Meza (Ubiquity Records)

CLUTCHY HOPKINS - THE STORY TELLER
(CD x LP) LANZAMIENTO OFICIAL WORLDWIDE
13 ABRIL, 2010

¿Realidad o ficción? ¿Clutchy Hopkins es un alias? ¿O es el verdadero nombre para un centro musical solitario? ¿Son grabaciones de su nueva época? ¿O bien una combinación de ambos? Algunos pueden preguntarse acerca de estas cosas, de por qué tiene las uñas largas a lo Pinky, o lo que sea que pasó en Myspace. Otros se pueden preguntar si todo esto realmente importa. Si bien el misterio que rodea al artista ya no es noticia, la música sólo se pone arriba, madurando como un buen vino.

Este álbum, The Story Teller, fue entregado a Ubiquity HQ en una destartalada cinta, o en un iPod. Sea lo que sea, estaba envuelto en lo que parecía un antiguo rollo de papel, pero que resultó ser dos pinturas del artista español Thabeat Valera. Una de ellas es la portada del álbum, y la otra se incluirá en el folleto. El LP incluye todas las pistas del álbum en vinilo, además de una lectura de la historia detrás de la grabación, repetida en 10 idiomas diferentes. El folleto del álbum incluirá toda la historia, sin filtrar. Una versión corta.

Es el álbum más variado de Clutchy Hopkins hasta la fecha. Y que abarca gran cantidad de texturas vocales, y una pizca de vibraciones mundanas. Comprobad las pistas. La Agencia Brasileño-psicodelica como de "No contact ... Contact", y el loco de la ciencia espeluznante "Miles Chillin", o arrastrar los pies de "Thinkin 'de Eva", que sonaría como en casa jugando en un café parisino. Es un disco influenciado por el tiempo de Clutchy Hopkins encerrado en la cárcel, donde, mientras en el patio, tomaba contacto con muchos de los presos internacionales en espera de ser deportados. El acústico Lo-fi estaba tronando los dedos, las palmas, el silbato-y-tarareo de jam sessions. Clutchy Hopkins daba las ideas que más tarde se registraron en la cinta.

La historia comienza en el invierno de 1982. Clutchy Hopkins había tropezado con algunos problemas legales en su ciudad natal del Desierto Mojave. Fue declarado culpable de fraude de seguros y condenado a una pena de prisión. De inmediato tomó el gusto con el ambiente de la carcel. Se llevaba bien con muchos de sus compañeros reclusos. A modo de actuaciones improvisadas en el patio, Clutchy Hopkins reunia a las bandas rivales y camarillas. Los otros presos fueron capaces de llevar su música y usarla como una base común para romper la monotonía de la vida de cada día de la prisión, y cambiar así las relaciones de odio en la amistad real.

Lamentablemente, los guardias estaban asustados por la multitud recién unida. Este grupo, ahora singular de delincuentes, podría volverse contra ellos. Clutchy Hopkins había demostrado su dominio sobre los reclusos. Clutchy Hopkins fue aislado para la disolución de las jam sessions.

Después de veinte días en una oscura celda de aislamiento, Clutchy Hopkins estaba caminando por el pasillo principal de la prisión. Él se estaba convirtiendo en un ejemplo para demostrar que nadie está a salvo de los malos tratos de los guardias. Caminaba con la cabeza baja, pero podía sentir como todo el mundo le observaba con el corazón pesado. Luego vino un leve sonido de fondo del pasillo, desde algún lugar cerca de la celda de Clutchy Hopkins. Mirando hacia arriba, C. Hopkins fue capaz de ver a su compañero de celda, un tipo de 7 pies y 6 pulgadas de altura. Tenía las manos del tamaño de las garras de un oso. Clutchy Hopkins se sorprendió al ver a su compañero de celda golpeando la pared de ladrillo. Este compañero que, anteriormente estaba desinteresado en participar en las sesiones de improvisación musical, ahora era un latido rítmico de Niza. El círculo se estableció de nuevo. Un preso se convirtió en dos, luego dos en cuatro, hasta que el bloque entero de las células se había convertido en una sinfonía de los músicos que encontraron. Clutchy Hopkins volvió de nuevo a la celda de aislamiento. Esta vez, la cara de Hopkins era una sonrisa, porque sabía que no importaba cuánto era el infierno que tenía que soportar, la historia que hacía tiempo que trató de difundir ahora era alta y clara.

Cuidado con las nuevas pruebas de vídeo con uno de los instrumentos asombrosos de Clutchy Hopkins, y también un video musical de una de las pistas por el famoso álbum del artista neerlandés Borstlap.

Para escuchar el album:

http://www.ubiquityrecords.com/shop/products/CLUTCHY-HOPKINS-%252d-THE-STORY-TELLER-%28CDxLP%29.html

PADRE NUESTRO

2010-02-11T03:56:00.000-08:00

artwork by ThabeatValera

"Padre Nuestro"
Hijos del graffiti (expo colective)
Mundaka Gallery
expo colective
pencil, rotring, silver maker, acrilic and spray on cardboard satin.
45 cm x 65 cm
November, 2009

MINORU MUROAKA

2010-02-11T03:15:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

"Minoru Muroaka and The New Dimension Group"
rotring, acuarela and acrilic
21 x 29,7 cm
spring 1996
artwork Thabeat Valera

YONKI

2010-02-10T11:06:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

"Yonki"
spray and collage
21 cm x 30 cm
november, 2008

SERIE B

2010-02-10T10:57:00.001-08:00

artwork by Thabeat Valera

collage
"Serie B"
21 cm x 29,7 cm
june, 2008

BALADA PARA UN DELIRIO

2010-02-10T09:44:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

"Balada para un delirio"
rotring and colored pencils
32cm x 45 cm
January, 2010

YA NO HUMANO

2010-02-10T09:30:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

"Ya no humano"
rotring and pencil
20 x 30 cm
January, 2010

F* CHAMPS

2010-02-06T14:33:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

rotring, acrilic and media
7,5 inches x 7,5 inches

F*Champs "New Born"
7 inches vinyl, Cracktown Records
London, 2007

MILES DAVIS

2010-02-06T12:28:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

"La mano de dios (Miles Davis)"
acrilic with spray
100 cm x 200 cm

Jazz Festival Centre Civic Sarriá
30 saturday january 2010

THABEAT VALERA

2010-01-31T08:09:00.000-08:00

ORBITA SEXUAL

2010-01-31T08:05:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

pencils, acrilic, photomechanical and media
"Órbita sexual"
32 cm x 22 cm
March, 1995

A PIE DE CALLE

2010-01-30T12:56:00.000-08:00

artwork by Thabeat Valera

"A pie de calle"
oil on canvas
42 cm x 33 cm
july, 2004

RAFAEL AURALEÓN

2010-01-29T09:38:00.001-08:00

Javier Alcázar, subdirector de la revista Tebeosfera, editorial dedicada al estudio de la historieta, se ha puesto en contacto con nostros, los Valera. Además de artículos, reseñas y entrevistas, están elaborando el mayor catálogo del cómic español existente hasta la fecha. El motivo de preguntar por Auraleón es para recuperar su figura y su obra en un artículo. Están intentando encontrar a familiares y amigos que les ayuden a profundizar en la persona, puesto que poco se sabe aparte de su material publicado y su trayectoria en S.I. Pero también les interesan el resto de autores con trabajo agencial, y las agencias en sí mismas.

Dejo aquí el artículo enviado a la editorial:

RAFAEL AURALEÓN
CALDO DEL CULTIVO PARA PEDRO VALERA
texto por David Valera

Los nuevos ilustradores prefieren los álbumes de sus autores preferidos. Y mi padre era un gran admirador de Rafael Auraleón.

Sus casas, una de la otra, estaban situadas a escasos metros. Auraleón vivía en la calle Urgell, y mi padre, de alquiler en la calle Viladomat. Los dos vivían situados entre Gran Vía y Diputación. Los dos mantenían un vínculo de amistad, entre lo asiduo y lo esporádico. A veces quedaban para tomar café, o para cotillear en ese circuito de librerias especializadas del barrio.

Fantasía, terror, mutación, psicodélia, gótica y futurismo, son algunos de los géneros de culto surgidos de la mano de un rite del cómic europeo. Alberto Breccia, desde Argentina, lo és en el mundo entero. Y Rafael Auraleón, desde Barcelona, también. Obras infinitamente amplias y complejas habitan entre míticas novelas de excelencia poética.

Aunque pocos estaban dispuestos a sacrificar su salario por lanzarse a ello, era necesario producir un oficio y técnica en los nuevos dibujantes de cómic. Los arriesgados, sufrieron la censura absoluta y lo pasaron mal durante los años en los que se desarrollo el cómic ilustrativo. Pocas agencias independientes podemos citar en los 50. Bardon Art, The Illustrated, Gallardo, Grupo Premiá 3 o S.I. (Selecciones Ilustradas). En los 60, Rafael Auraleón empieza a dibujar los guiones de Luis vigil, en las filas de la prestigiosa agencia S.I. Sólo el riesgo y la especialización a llevado a crear este fenómeno minoritario.

En aquellos años 70, jazz, pintura y la ilustración. Se les encuentra entre el barro del suburbio barcelonés. El ritual popular de asistir cada domingo a la mayor exposición cultural de Barcelona. El Mercado de Sant Antoni, uno de los sitios más singulares de Barcelona, centralizó las décadas de los 60 hasta los 90. Normal que abundaran seguidores de cualquier género a la caza de un abanico de ilustradores que eran recopilados y se apilaban en los estantes de los tendederos, o bien, en librerías especializadas como "Torradas".

Mitad de los años 70. El pleno auge grafico-narrativo de Barcelona. La escuela de Coloristas. El boom de ilustradores españoles con proyección internacional, gracias a los viajes de Josep Toutain a Londres, con los dibujos de los suyos bajo el brazo. Largas reuniones con Jim Warren (Warren Publish). Así, Warren aterrizó a la sede de Selecciones Ilustradas, en Barcelona, y se llevó a Pepe Gonzalez, Sanjulián, Juan Jimenez, Esteban Maroto, Josep Maria Bea y el propio Auraleón. Auraleón aparece en la revista americana de Warren y Vampirella. Sus clásicos rasgos de terror y poesía gótica fueron mezclados con la fantasía y el ocultismo para ofrecer al público español la especialización del cómic de terror y ciencia ficción internacional. Cercanos a la imagen de Warren Publish con las ediciones españolas de Vampirella, Vampus, Dossier Negro, Rufus, Kung-Fu, Spirit, 5x Infinito, Delta 99, Sunday, Shock, Riffle, Rosas Blancas y Nueva Dimensión, por nombrar algunas.

Será el propio Jim Warren quien cite a Toutain en Londres para elegir este título corto inspirado en la novela de George Orwell “1984”. En abril de 1978 se publica en Estados Unidos el primer número de “1984”. ¿Dónde se oculta el secreto del cómic donde el argumento se mantiene mediante una imagen fija y el ingenio debe expresarse en una sola acción? La respuesta puede resultar compleja, pero la figura del guionista resulta esencial para acercarse a la obra maestra. Cuidar las instrucciones ambientales necesarias, la personalidad de cada uno de los personajes, los problemas de compaginación y extensión que proporciona cualquier editorial. Idear el texto mínimo indispensable para no ahogar cada una de las viñetas, una media de 5 por página.

En los 80, Auraleón goza de status gracias a sus publicaciones en el mercado francés, Creepy, Totem, Pilote. Y es que Creepy es francesa, y no americana, como mal se indica. Las ilustraciones de Auraleón también irrumpen en el mercado británico, en publicaciones como la inlgesa Eyre. Por otro lado, mi padre era un ilustrador constante en el noble arte del oficio, no académico, no profesional, y sólo había obrado algunos esbozos con el maestro Auraleón. Unos ensayos que no llegaron a publicarse. Mas tarde, otras ilustraciones de Pedro Valera aparecieron, puntualmente, en filas editoriales como Rambla, y El Cairo, gracias a los contactos del propio Auraleón.

El cómic internacional estaba en uno de sus peores capítulos, ya que la continua subida del precio de las materias primas desde Estados Unidos estaba afectando muy directamente al coste del papel. Rafael Auraleón publicaría su última historia en 1984. Estaba harto, quiere romper con todo su pasado. Se deshace de toda su colección de tebeos. Él ya no quiere quedar con nadie, tampoco lo interesa nada de lo que ocurre. Quiere desaparecer del mapa. Sobre el tema, mi padre lo llamó por teléfono y tubieron una larga charla. Más tarde quedaron para tomar un café. Auraleón le entregó una carpeta con sus 200 láminas originales en papel vegetal. Eran las 200 láminas donde aparecen esbozados todos los personajes que aquellos editores habían exprimido por todo el mundo. Dentro de la carpeta había una carta, la célula de un proceso separación entre él y su mujer. Auraleón le confesó, "todas las épocas marcan un tiempo", "ya no quiero dibujar más", "mi cabeza tiene un límite y no está preparada para crear nuevas historias".

Auraleón quiere romper con todo su pasado, volver a nacer, centrarse en la pura distracción que te ofrece la propia vida. Hacer un borrón y vivir un nuevo presente. Auraleón acabó asqueado del trabajo repetitivo, de la creación de personajes que no le llebaban a nada, de las políticas de presión, derechos de explotación y machaqueo de la propia industria. Rafael Auraleón lo tenía claro sobre el futuro de todos sus dibujos originales realizados en esas tres décadas. Bien iban a la basura. Bien, vendidos a coleccionistas con aurea de charlatán. Bien, enterrados en una balda de un viejo rastro de segunda mano. Mi padre, al ver que Auraleón iba en serio, le intentó convencer en la idea de un acuerdo económico, antes de que fuera a la basura. Auraleón le marcó un precio simbólico, 15.000 de las antiguas pesetas (90 y pico euros). Irrisorio. Auraleón le había confiado su carpeta, su trayectoria, con el beneplacito de que su trabajo fuera a parar en unas manos limpias, de un admirador como lo era mi padre. Poco mas tarde, Auraleón entra en una grave enfermedad de transtorno y depresión. Mi padre, pierde el total contacto con él.

Josep Toutain a principios de los 90, arriesga empezar con una nueva editorial, Zinco. Mi padre intuye la posibilidad de que Toutain edite el material, la carpeta de Auraleón. Escribe una carta dirigida a Toutain, adjuntando fotocopias de dichos originales. La contestación de Toutain no tarda en llegar. Y es no. El género no aguanta las pérdidas de dinero. Aparte es imposible reeditar el material de Auraleón publicado en los principios de S.I. Las planchas y los fotolitos están, o deteriorados, o bien perdidos. Transcurridos sólo 19 números, cierra ZINCO tras la crisis total del género cómic. Solo aguanta Cimoc, que también tiene su muerte anunciada en su número 176, diciembre del 1995, concluyendo sus 15 años de vida.

Los puntos habituales de venta de cómics, malvendieron y se desprendieron del género para dar entrada al boom nipón. El Salón del Cómic pagó de igual forma dando prioridad a las nuevas tendencias. Un cambio que conducía a la desaparición y el olvido.

En 1997 muere Josep Toutain. Seguido de una dolorosa noticia, con un retardo de diez años, el suicido de Rafael Auraleón.

La obra de Rafael Auraleón forma parte de nuestro pasado, presente y futuro. De padre a hijo, como es el caso.

PD: dejo el link de Pedro Valera:
http://www.myspace.com/pedrovalera

CINCUENTA

2009-12-30T03:23:00.000-08:00

scanner y colección Thabeat

Cincuenta poesías para combatir la era postmoderna

CARNE INDUSTRIA

La captación comienza en países donde se recluta la incultura. Las condiciones son de servidumbre. El ser captado necesita cubrirse de vestiduras con alas de buitre. Se pasean como imbéciles narcisistas vociferando entre la masa y la velocidad con la que cambia. Estar con el último grito y leer catálogos tendenciosos les descansa de otras cosas, como por ejemplo, pensar.

TRIBE

La contracultura puede derivar en un centro de reunión, en un punto de encuentro, en una simpática librería. Esta ciudad tiene almacenados cientos de millares de destinos. Un sistema dentro de otro sistema. Pero también, gente que, sin propios criterios, sólo representa cifras. Por esta razón no sólo tenemos derecho sino también la obligación de conservar las virtudes de nuestra propia individualidad. Si quieren escolarizar este movimiento, conmigo que no cuenten. Cualquier copistería de barrio ya dispone de este servicio.

LOOMITS

En el tema del sexo, come y deja comer. Algo que verdaderamente me preocupa es no poder preparar una buena zarzuela. ¡Hay que ver lo cara que está la merluza fresca en el mercado!

EXPRESS YOURSELF

Cada cual interpreta, plantea, utiliza, el áurea, a su manera. Se advierte en qué medida un estilo y un lenguaje dan vida a un significado. El contrapunto, entre inmovilismo e innovación. Su nombre puede ser transmitido en un sólo trazo, o en el movimiento de tu cadera. Pues resulta que todos caminamos acompañados del ruido de nuestros zapatos.

ELEMENTS

Los elementos básicos también representan la eliminación de los globos de los diálogos, haciendo descansar los elementos de hilo narrativo, y consagrando las imágenes a visualizar en los momentos culminantes de la acción. Estas iniciativas aparecen descompensadas desde la perspectiva global. En relación a los tiempos actuales, disponemos de tantos elementos como cantos tiene la moneda.

DIÁLOGO

Una batalla de letras tomó su libertad dentro del círculo. Tres sesenta. El erotismo sólo es aceptado cuando se presenta en el salón de las tertulias. Los bailes de palabra toman su juego. ¿Te importa que te coja un sorbo? Lo más importante en esto, que su apología halla un arte expresivo capaz para plasmarse con toda su urgente fuerza y con toda su esplendorosa verdad. El lugar donde quedaron esos soñadores lleno de distracciones. La palabra salvada con ingenio es el ruido más silencioso, el mejor golpe sin pegar a nadie ni romper nada.

LOVE AND HATE

A mi entrada se hace un violento silencio. Una bicho rabioso me enseña los dientes y ruge dispuesto a comerme la pierna. Se acerca. Voy con cuidado y no contesto. No tengo ningún interés en moverme. Servicio de orden asegurado. El animal bien adiestrado, amenaza a todos los sujetos sospechosos que van entrando por el establecimiento. Guardianes de la incultura luchan a favor de la expulsión. Quizás esperan que sus ideas puedan sobrevivir, pero he pegado muchos carteles en mi vida para no saber cuando llega la policía.

MITO

El peluquero le sometió a dos permanentes y le tiñó con un tinte de color ébano. Semanas más tarde, con su flamante peinado, todavía pensaba en lo difícil que sería ocultar su falsa identidad. Sin embargo, luego lograría circular durante quince días transformado en negro. Finalmente una chica se atrevió a llevárselo a la cama, pero todo se frustró en el lavabo. Él había olvidado ese detalle. Y rápidamente, el agua destiñó las partes en remojo. La muchacha sigue esperando mientras un liquido negro se va por el desagüe. El resultado, aunque no parecía que fuera a durar, le dio ánimos suficientes para seguir con el plan. El mito forma parte del inconsciente de la colectividad.

TRIP

Los primeros recuerdos arrugaron mi mente infantil. Entonces supe lo que yo era, lo que yo fui y como había llegado a ver mi forma. Yo sería la criatura más sorprendente de todas. Y así, llevado por mi entusiasmo, mi mente regresó al mundo del ayer. Al principio de mi mente infantil. Tarde o temprano encontraría mi sitio para pintar la rareza de mi estilo. No he naufragado para trabajar en vano. Y aquí se acaba el cuento.

LA NOCHE DE LA GALLINA

Siempre me ha gustado la vida al revés. Una aventura como yo se pasa la vida esperando que se presente un hombre, ¡como tú! Te traigo el desayuno a estas horas de la noche. Vayamos a alguna parte donde podamos divertirnos los dos sin tener que soportar a todos esos mirones. Todos tenemos una segunda oportunidad. El despertar de los tímidos, ¿me explico?

EL GRAFFITI

El graffiti es la única distribución a mano.

HYPE

Marketing que se disfraza de acuerdo con lo que la gente pide o se convence o la convencen de que le interesa. Pela a ganar y espabilados que lo saben y se lo montan para hacérselo.

SMILE

Hay muchas clases de risa. Y no todas reflejan exactamente alegría. La risa como forma de lucha.

MANIFEST

Sólo el fastidio conforma que no nos queda ya poco espacio. Muy pocos escapan a su tiempo. Es necesario reparar este fallo. No se cuelgan las obras en cualquier sitio. El propio manifiesto goza de cierta autoridad, avanza buscando nuevos caminos y los encuentra. Debemos considerarnos comprometidos e implicados en el desafío de los nuevos tiempos, de nuestro tiempo. Tenemos que recuperar el tiempo perdido. O a callar, que no es poco. De hecho, el haber callado hasta ahora nos permite a estas primeras declaraciones denominarlas confesiones.

NEGRO SOBRE NEGRO

Los hombres se castigan mutuamente en el desierto más hostil del mundo. La península entera parece retorcerse en un rapto de ira. La tierra amenaza con tragarse a todos los seres vivientes. Cada sacudimiento dura segundos. Hay siete repeticiones diarias y miles de muertos y heridos. Los muertos tienen un destino común, así como antes habían compartido las mismas ilusiones. El pánico empieza a crecer. Se oyen los gritos de los enterrados vivos. Las comunicaciones se interrumpen. Después de la tragedia, los sobrevivientes se reúnen alrededor del fuego común. Todos tenemos cabida en este submundo de ladrillos y barro.

VISIONARIO

Relájate y contempla. Todo está en todo y viceversa.

TRAZO

Ofrezco mi pluma para lo que me interesa o creo oportuno mostrar.

POETRY

En la gran ciudad, donde la popularidad es la ciega propensión con la que todos corren en la eterna carrera, también hay espectadores: son esos desheredados de la fortuna que, buscan el mensaje tumbado en las aceras y rodeados por esa poesía metida en la cabeza.

ORIGINAL

Ya lo decía el fantasma de Warhol: "En el futuro, todo el mundo será famoso al menos durante quince minutos". En una humanidad donde abunda una gran cantidad de patosos, donde todos los rostros se nos antojan iguales, las ideas para el progreso, son el color que contrasta a las personas y a las cosas.

RITE

Agitadores culturales que ocupan un lugar real en tu vida diaria. No es decoración. Tampoco colección que sustituye a la memoria. El objeto físico, más que una pose, el mejor testimonio de la realidad. Una concepción plena como medio que permite la comunicación con otros seres.

HYPE

Has vendido tu grito de campo al carnicero. Es el señor ese que financia los discos más estúpidos que uno pueda imaginar. En un campo donde se cruzan decisiones empresariales, hay quien aquí, hace chistes sobre ello. Desvergonzados copulan abiertamente con sus copias. Sólo es una broma profesional.

ECONOMÍA

Está proliferando la tendencia de intercambiar bienes y servicios. El dinero se ha vuelto demasiado costoso.

FUTURISMO

Algunos litógrafos rompieron su cabeza imaginando la ciudad del futuro. Otros personajes rompieron sus huesos en los intentos de hombre volador.

MANIFEST

La boca de la denuncia sigue moviéndose pero nadie logra oírla.

MODERNO

Cualquier personaje soltará la gracia de que hay que sorprender con el efecto estético de esa nueva idea de adaptaciones y nuevas soluciones cotidianas. Aunque al hurgar en el tiempo descubramos que nada es tan nuevo y que son tan inútiles como una iglesia.

ARTE

El arte se presenta como una decoración para apartamentos privados.

WEAR

La dependencia de atuendos con alas de buitre, se convierte en una necesidad biológica, lo mismo que el agua. Horroriza. Se pavonean como imbéciles narcisistas entre las masas vociferantes.

FASHION

Uniformes que irrumpen inoportunamente en el tiempo de los otros. Este pedo se va a oír hasta que deje de darles pasta. Hasta donde alcanza la vista no hay sino copias de rostros postizos.

DOGMA

Dios creo al hombre a su imagen y semejanza, se suele decir, pero muy variable tendría que ser su aspecto para cumplir con todos los diferentes tipos y formas que se presentan en la especie humana.

PIONEER

Es esa clase de ritmo, de voces, de ideas, de mentes imparables. Allí surge la vida de entre las piedras y se curten las gentes sin esa torpeza. El lugar donde se concentran los mágicos segundos.

ORIGEN

Y vamos de nuevo hacia la prehistoria de la vanguardia, es decir, vamos a repartirnos zonas de dominio como los animales. El ímpetu progresista que caracteriza un arte roto por las presiones y el machaqueo de la industria.

INDUSTRIA

El proceso es sencillo. La ternera espera su turno pacientemente. La limpieza y despiece del animal es el paso inmediato tras su sacrificio. Tras medirse el peso, la carne pasa ya directamente a las cámaras de congelación. La última de las etapas pone ante el consumidor el producto. Las vísceras, también se aprovechan.

INDUSTRIA

Una industria, maldita, que se atreve a remplazar la venta de discos físicos originales por un mercado de dígitos y ceros. Tan patético como hipotecarse por el humo de un cigarillo.

INFLUENCIAS

La forma y el contenido en una, y lo universal y lo particular en la otra. De hecho, cuando los elementos son puestos en escena y actúan entre sí.

STARS

Los ídolos de la ciudad ruedan por tierra, haciéndose pedazos. Los ídolos caen y no tardarán en ser sustituidos. Unos dioses suceden a otros, incluso con una cierta fisonomía humana, como si no hubiera llegado a su fin este mundo presionado de enunciados.

ICONO

Iconos tempranos y modernos que desafían a la modernidad y al modernismo. Si la primera evidencia un acto de reciclaje postmoderno, la segunda es la personalidad del artículo de consumo que acompaña al objeto.

GOD

Ningún ser humano comprende al otro. Quizás por eso los hombres inventaron a Dios, un ser capaz de juzgar y castigar.

YESTERDAY'S TOMORROW

La cultura constituye la inversión más ambiciosa. El conocimiento del pasado es una riqueza real para el porvenir, incluidos algunos adelantos técnicos. Puede resultar barato conservar casi como en celofán las piedras que han representado algo en su historia. Después de todo, la cultura constituye una casa con vistas a nuestros abuelos. Hazte donante de ideas. Sólo el arte inútil a la vida debe ser regalado al museo de antigüedades.

ORIGINAL

Se trata de unos dibujos extraños, absurdamente deformados, todo un mundo grotesco, como visto a través de un espejo deformante. Esta comunión no sólo existe entre poesía y dibujo, sino que es una característica principal que obedece a la realidad en que todos estamos inmersos. Sencillamente se reflejan los estados emocionales de una época. En cierto modo, una inspiración de la sociedad caótica que rodea, enajena y aliena al individuo. Hasta donde alcanza la vista no hay sino copias.

ARTE

Todo esta decorado por cosas extrañas e innecesarias para esconder el vacío de la vida. Sin embargo, la vida es sencilla y clara, sólo hay que organizarla y purgarla de toda ornamentación. Creo que hemos encontrado el tiempo preciso para terminar esta extraña y excéntrica composición. No siempre dicha claridad se ve acompañada por una absoluta lucidez. Acusemos al arte de todo triunfalismo más idiota.

DETALLISTA

Desde luego no serán los pupitres escolares de los realistas quienes encuentren nuevas filosofías. A fin de cuentas, la linea de originalidad no corresponde para quien decididamente está obsesionado con la realidad, hasta el punto de recordarnos que el virtuosismo pertenece al submundo de la fantasía. Algunos conservan la fe en un futuro con todas las formas de vida del universo, capaz de liberarnos de las fatigas y sufrimientos existenciales. O bien hay espíritu y poesía al funcionar, o mejor nos quedamos en casa cubiertos de edredones.

CUARENTA AÑOS DE CENSURA

Se suprimen pensamientos, besos, se acortan escotes, se cubren brazos, piernas, se disimulan formas sesudas y anatómicas. De esos años asexuales sólo queda pensar en el expolio. Muchos escritorzuelos necesitarían quien sabe cuantas páginas para comunicar lo que ellas en una. Nuestros padres han estado demasiado protegidos y demasiado indefensos durante cuarenta años. Un dato importante para la expansión de nuestra nueva cultura progresista es hacer de éste otro país, donde los hombres y las mujeres jamás vuelvan a encontrarse aislados, donde el calor humano, el diálogo reemplacen a la indiferencia.

MELTING POT

Dejaron atrás la edad del pavo. Se les encuentra entre el barro del suburbio. Pertenecen a una generación de cambio, que recorrió todas esas zonas de arte elitista representativas del país, con la única pero no poco ambiciosa idea de acceder a los fundamentos burgueses de la vieja cultura y destruirlos. Expulsados de la tierra prometida, lucharon contra los herederos del realismo conservador y el arte académico, crearon una nueva forma de modificar los códigos del arte para construirlos a su manera. Menos estética y más experimentación.

EROTISMO

En efecto, sostengo que el erotismo sólo es condenable cuando se presenta vulgar, grosero, antiestético, convertido en mercancía. Es decir, cuando deja de ser erotismo para volverse seudoerotismo comercializado. Para entendernos, como el de cierto tipo de publicidad. Se trata de un personaje de mal gusto, sólo inteligente para los negocios, nocivo para la virtud de los que sabemos que, entre la fidelidad y la transgresión, y, entre la tradición y la evolución, siempre hace falta talento.

ETIMOLOGÍA

Se resume a los primeros elementos fantásticos al examen de la realidad. Une, de forma simultánea, su participación en el compromiso para las publicaciones subterráneas, que desde fuera del Sistema, atacan las coordenadas contemporáneas del mismo. Esta es mi gran verdad que se escapa de la mentalidad eficientista de cualquier mercader.

HONESTIDAD

Víctima de esta misteriosa enfermedad, la honestidad se pretende sustituir por ciertas porquerías. El primer punto está claramente relacionado con la doble deformación educativa del realismo y del eficientismo. Por eso, la honestidad vive forzada a un logo, una etiqueta, tienen las energías derrochadas en el comportamiento corrosivo y desgastador de la palabra, alienante posible.

STREET ART

Sus base temática es la misma. Lo que cuenta es la modalidad coactiva del aprendizaje, no lo que se aprende. Los supuestos reportajes de la calle se reciben desde una estufa. Esas realidades van a parar a los abismos subterráneos que se esconden bajo la misteriosa alfombra de un despacho. Y lo hace de una forma desgraciadamente muy actual. No menos ambiciosa es la repetición constante de la serie, mucho éxito, muchas alabanzas. Evocar simpatía a través de monstruosos y deformes seres mutados en un mundo de lujos, es un logro excepcional.

LIFESTYLE

Ganar el pan con el sudor de la frente es algo a lo que hemos estado abocados desde tiempos inmemoriales. La cultura está basada en el trueque de bienes y servicios, desde un producto de efecto estético, hasta irrumpir en los lugares prohibidos. Con un hueco a la ironía, al descaro, al azar y a la provocación. Incorpora a sus obras discursos, los saca del lugar natural en el cual surgen para instalarlo en un nuevo espacio, un contratexto. Es el resultado de una indagación llevada a cabo en la práctica misma. Un estado de espíritu irónico y combativo. Perspectivas audaces, insólitas, un juego de colores reducidos, con profusos y vertiginosos picados y contrapicados y escorzos muy marcados.

HYPE

La editorial se sumerge en una experiencia onírica, una máquina que produce deterioros psicomentales, reblandecimiento cerebral, impotencia, deformidades, ceguera, sordera. Los escritorzuelos acentúan la tridimensionalidad de las figuras efímeras. Han creado un producto de literatura educativa basada en el chauvinismo más desenfrenado, en el conformismo, en el culto del poder y del dominio, en las formas gratuitas de sectarismo, en el oportunismo, en la alienación, en el chantaje moral, en la astucia y la indiferencia por los problemas cotidianos y sociales, entonces se llega al coma cultural.

CARNE DE LA INDUSTRIA

Ha tomado el relevo en contra de la postura crítica, lucha a favor de una estructura empresarial en la ley del más fuerte. Simples plásticos elaborados por robots que intentan prolongar y revivir una mera estética rebelde, dentro del Establishment. ¿Pensáis que sistemas impuestos autoritariamente son la única respuesta para sobrevivir? Todos acaban convertidos en esclavos de la brutal aristocracia.

TENDENCIAS

Todos huelen el mismo pedo, con una falta tremenda de personalidad. Y con una estructura social industrializada, reducida y adscrita al puro consumismo de la rigideces industriales. Propaganda, “I WANT YOU”. Parece tanto más nefanda y espantosa cuanto menor es la edad del destinatario.

LETTERING

2009-12-28T02:17:00.000-08:00

scanner y colección Thabeat

artwork y poesía por Thabeat

HOME MADE IN
LETTERING

Los elementos básicos también representan la eliminación de los globos de los diálogos, haciendo descansar los elementos de hilo narrativo, y consagrando las imágenes a visualizar en los momentos culminantes de la acción. Estas iniciativas aparecen descompensadas desde la perspectiva global. En relación a los tiempos actuales, disponemos de tantos elementos como cantos tiene la moneda.

EXPRESS YOURSELF

2009-12-28T02:13:00.000-08:00

scanner y colección Thabeat

Cada áurea interpreta, plantea, utiliza, esta subcultura, a su manera. Se advierte en qué medida un estilo y un lenguaje dan vida a un significado. El contrapunto, entre inmovilismo e innovación. Su nombre puede ser transmitido en un sólo trazo, o en el movimiento de tu cadera. Pues resulta que todos caminamos acompañados del ruido de nuestros zapatos.

CLUTCHY HOPKINS

2009-12-27T12:23:00.000-08:00

scanner y colección Thabeat

ilustración y texto por Thabeat
ilustración a rotring para Enlace Funk, 22 x 40 cm
publicado en Enlace Funk Magazine nº 31

(título del documento)
LOS RELATOS, SERES Y ESPACIOS

CLUTCHY HOPKINS
El fantasma de la identidad

EL ÚLTIMO GRITO
No es país para viejos

Los ídolos de la ciudad ruedan por tierra, haciéndose pedazos. Los ídolos caen y no tardarán en ser sustituidos. Unos dioses suceden a otros, incluso con una cierta fisonomía humana, como si no hubiera llegado a su fin este mundo presionado de enunciados. Iconos tempranos y modernos que desafían a la modernidad y al modernismo. Si la primera evidencia un acto de reciclaje postmoderno, la segunda es la personalidad del artículo de consumo que acompaña al objeto. Los dioses absurdos del consumo y la comodidad. La censura de despacho a los instintos. La máquina depredadora que ignora el espíritu. Brotan los chorros de sangre con el rol de un exorcismo moral carente de significado. La fe mitiga la desesperación. La ansiedad, como un plato equivocado, opuesta para localizar las riquezas de un medio natural. Una de las pruebas más flagrantes del arrinconamiento cultural en que sea han visto sumisos los últimos nómadas de todo esto.

CLUTCHY HOPKINS
Todo ritual artístico

Clutchy Hopkins no es un heroe-antihéroe como los que ahora están de moda. De una u otra manera, utiliza sucesivos choques estéticos para defender su deliciosa ideología. Resulta asombroso pensar en la idea de que un cuerpo humano pueda seguir prestando servicios más allá de las fronteras de la vida. El argumento y el descaro del hombre que hay detrás de la música y del secreto de la identidad, esto mismo es siempre un desafío. Matizado por su poético aliento de leyenda; lo que cuenta efectivamente, y lo que le otorga un significado humano concreto. A través de tal choque entre la fábula y la historia. A estas alturas, cuatro años después del comienzo de su primera aparición, y tras conseguir una considerable aceptación, más quizá que en otros, destaca aquí, una vez más, la transparencia de los diversos niveles de escucha. El nivel inmediato, a la sugestión de los escenarios exóticos, los ritmos crudos y espirituales, las suaves texturas de guitarra y su forma innovadora en la flauta tradicional, en una época ya lejana. Los ancianos conceptos, donde una bendición celestial tutelada por los monjes Zen parece justificar las hazañas. En este estrato desaparecen las convenciones simplistas que han correspondido a los habituales falseamientos derramados por la óptica de los sistemas corporativos de la industria.

El indígena, por su parte, necesita rehacer su hasta entonces idílico universo personal, el sentido de la vida. Pero sólo es el principio de una delirante autointrospección poética donde los leit motivs principales residen en los viajes del misticismo oriental, la magia de la vida y la transferencia de las propias convicciones subversivas. Cuyo ritmo plácido se mece al compás de una profunda paz del espíritu, cantan pausadamente las virtudes de una ética nutrida por el más devoto lirismo de acústico, el lirismo de la libertad. Representa la libertad absoluta que constituye la meta inaccesible del nómada de la aventura. No tiene patria y es un hombre libre. Y eso mismo es el boceto desdibujado de una fuerza y una autenticidad poco comunes en nuestros días presentes. Reflexiona sobre la iconografía del mito, reducido a una figura con otro contexto social y artístico más local. Un argumento que procede del nivel más bajo y doloroso de la sociedad de su tiempo, el anonimato. La silla está vacía. A su lado cuatro obras de incalculable valor. También es admirable su firme voluntad de seguir adelante en este tipo de grabaciones de campo, tan lleno de obstáculos como falto de verdaderas compensaciones materiales. Es admirable la continuidad de nuevas entregas de este chamán, a lo Moondog, de intensivos arreglos por su cuenta, de imaginativos patrones y de guiones que le han ofrecido encerrarse a orillas de su lejano oriente, el desierto Mojave, con mucho sol, para seguir dibujando lo que le salga. Quien es Clutchy Hopkins es lo de menos. Los críticos, los detractores entre el público y los puristas de todo esto y todo aquello pueden reprocharle lo que quieran. La idea de llevar el anonimato a la música, siempre parece de todo punto positiva. Quien sabe si, dentro de poco tiempo, nos llegará la sorprendente noticia de que un maravilloso loco anda recorriendo escenarios de costa a costa, de punta a punta.

CLUTCHY HOPKINS
Piezas de Crate Digler creadas para encajar en Ubiquity

Siempre es interesante asistir al nacimiento de una historia. En el caso del multi-instrumentista Clutchy Hopkins, más que interesante, es apasionante. Nadie nos había hablado de él, nadie nos lo había recomendado. “The Life of Clutchy Hopkins”, Crate Digler Publishing, es su primer álbum debut del 2005. Una inusual auto-edición de bajo presupuesto y de buen planchado para ser empaquetado en este fabuloso combinado informal de fotocollage descolorido y básico, emulando las carátulas de los discos de agujero de bala, enterrados en pilas de sótano húmedo. Creado por un tal desconocido Ashkahn: responsable de idear la portada, la contra y la galleta de la cara A. Una maquetación limpia, sin textos, con los únicos créditos impresos en la cara B, que indican vagamente el minutaje correspondiente a las doce sucesivas pistas de obligada escucha. Esos son los únicos títulos que encontramos reseñados, y con la propia web de los Misled Children y el año fechado, centrado en el lado zurdo de la esfera. Así de pernicioso, casero y simple. Convenció sin necesidad de palabras, sólo con los instrumentos creados por él que traía bajo el brazo. No le preguntamos nada, no le pedimos su curriculum, únicamente nos dejamos atrapar por su música de tempo menos abusivo. Vino, escuchamos y convenció. Entendimos las cosas a través de la acción. Así fue el primer contacto. No tardamos en enterarnos de que este, para nosotros desconocido, también lo era por ahí. El perfecto desconocido para el gran público que, solo lo admiraban unos cuantos estudiosos abonados a revistas extranjeras.

Clutchy Hopkins no había estado de moda. Desde Crate Digler, cuando todo estaba lejos de las manos del dinero, apareció el inventor del nuevo beatbox con voluntad de autor, lanzó el EP no oficial con el efecto devastador. “MF Doom Meets Clutchy Hopkins”, 2006. La precisión básica de seis acappellas pertencientes al subversivo MF Doom. La sedición del hip-hop, casada amenamente con sus seis instrumentales sustraídas de “The Life of Clutchy”.

Clutchy sigue vivo, produciendo y coleando, y tratando de subir la rampa oscura. Su genuina figura de culto firma la práctica de su manoseo, carisma, armonía y disfrute, de hacer nuevos discos polvorosos, exclusivos y de colección en las filas de Ubiquity Recordings. “Walking Backwards”, Ubiquity, febrero del 2008. Una luz ambiental cálida. El clásico buscado por todos los seguidores conforma la reencarnación del ayer. El fervor que se creó alrededor de Clutchy, por su estilo tan salvaje como distinguido, ha llevado a que, Ubiquity, haya aceptado las pautas y el riesgo de sus andanzas y secuelas tribales, y le haya cedido una cierta libertad en sus excesos por continuar la tradición pionera. Y eso mismo se hace presente en la tipografía de la galleta, “Walking Sdrawkcab”, álbum que trata de recrear los tenebrosos acordes, tan similares como el anterior. Aparece una colaboración en la segunda pista con Shawn Lee. Repite el número de pistas, doce. Esta vez añade nombres a los temas. Contiene una colaboración vocal única, la pista número tres de la cara A, “Love Of a Woman”, la túnica de Darondo. Una combinación de factores musicales y sociales. La auténtica voz del alma rota por el soulful, el funk copulador, el bop y la brisa de Frisco (San Francisco). La número dos de la misma, “Song For Wolfire”. Y a la vuelta del planchado, la tercera pista de la cara B, “Rocktober”. Con estas tres chispas, ya estamos inmunizados para la escucha de cabo a rabo. El sabor de los graves contundentes sigue dando muestras de imperio. Ashkahn retoma el control creativo y juguetón. La cubierta indica el retrato al óleo de Clutchy. Una pintura agrietada por el paso del tiempo.

Mitad del Líbano, mitad de indios Americanos, mitad Irlandés, el multi-instrumentista Shawn Lee fue descubierto por el viajero Clutchy. El hombre en el mundo del espectáculo así nos lo intenta hacer creer. Y para dar vigor y creencia nada mejor que liberar los pasos del álbum “Clutch Of The Tiger”, Ubiquity, 2008. Es un LP totalmente inclasificable. Clutchy y Mr. Lee han absorbido, además de bastante jazz, todo tipo de posibilidades. Trabajan codo a codo, estimulados por una alimentación verdaderamente funky, de constantes bajos, órganos y beats fuertes, de dimensiones tortuosas, entre bandas sonoras de género Beat Street, Blaxplotation y cine negro. Doce temas son los que componen la disparatada horda. “Full Moon” y “Bad Influence”, los que verdaderamente acojonan. Jim Mahood adorna la cubierta en un contexto y a un nivel de curiosidad bastante caprichoso. El pábulo correspondiente a un criterio de culto algo falto y desgastado en el mundillo del cómic. Pese a ello, como suele decirse en la hiperexpresividad de los dibujantes: ni tan bueno, ni tan malo.

Una chaqueta de chándal cosechada en el Caribe. Está en las prácticas, en las técnicas y en las formas. Parece que la influencia del reggae resulta enorme. Clutchy, Misled Children y las formas de la pequeña maquinaria dub están presentes en gran parte de este último, sugerente y fascinante álbum de recién cosecha. Titulado “Music Is My Medicine”, Ubiquity, 2009, los cabecillas del empuje emplean efectos sonoros extravagantes y poderosos. Pisada a pisada, mamporro a mamporro. Arrasa el downbeat cabezón sin límites, conceptos comunes para todos los estilos derivados de la música africana. Once pistas, de las cuales, y sin escuchar con los ojos, “Cold and Wet”, “Tune Traveler” y “Gourds of the Desert” se llevan nuestro fascine absoluto. Sobresalientes.

PORTER RECORDS
El modernismo de los veteranos

Parece que el arte de viajar en el jazz y en el tiempo se esté debatiendo entre la captura del aficionado al hip-hop y la electrónica. Porter Records es uno de los sellos subterráneos y distintivos más frenéticos y reputados, con un estilo único e independiente, como uno de los jugadores titulares en esa visión de improvisada escena, que levantan la bandera del jazz inclasificable como la música más rebelde. En primer lugar porque los músicos que firman en este domicilio no son moco de pavo. En ellos se alía una técnica llevada al extremo de la sofistificación cósmica, a una estética inspirada en el más genuino y majestuoso divulgar para una forma inesperada de entender el jazz, no tan conocida como debería, intención que siempre merece un aplauso. Después, porque todo lo que se hace ver a la juventud que los discos que recomiendan los viejos no tienen por qué ser aburridos, también es signo de alabanza. Y no se trata de una recuperación utópica. Más bien, la recuperación de los veteranos salidos del bop, de la estructura de improvisación jazzística y las publicaciones marginales, cómo los grandes de la new dadá, de la jerga beat, de los jazzmen, de los hipsters y los beatniks de los años cincuenta, sesenta y setenta, que más que cool han sido hot, que no han podido ser superados por las nuevas generaciones, precisamente por la vitalidad que desprende y que motiva, y a su vez, motiva la creación de jóvenes adictos para experimentar una vertiginosa evolución. Escribiremos poemas, tendremos una imprenta y publicaremos nuestros propios poemas inmortales.

El papel más honroso a representar por los veteranos que propagan el antiguo lenguaje, consiste quizá en ser el cordón umbilical y su resurrección futura al nivel estético del ayer. En su extenso vivero de nombres encontramos a Dawid Szczesny, jazz europeo, improvisado y creativo que incendia tratamientos complejos de instrumentos acústicos en directo. Sunny Murray, Joe Chambers y Joe Salas, grabaciones sublimes con-secuencias de golpes de batería legendarios. Phil Morrison, otra mano culpable de Stark Reality en clave afrojazz para canciones tradicionales africanas. Byard Lancaster, FAB Trio, Khan Jamal y Arnold Cheatham, jazz de entonces, muy evocado a las pinceladas de Miles de principios de los setenta. David Hurley y The Jewelled Antler Library, un repaso de los años délicos con un arsenal de instrumentos que dan cancha al jazz libre. Valerio Cosi, resonancias al jazz espiritual, de fusión y libre, y con guiños que gravitan de la arquitectura electrónica. Interplay, Zenlo y Heikki Sarmanto, jazz, poesía y alta dosis para discutir sobre las teorías del espíritu saturniano. Y por último, Earpeace, Odean Pope y Misled Children, una provisión inagotable de bendecir el jazz y el hip-hop sin triturarlo.

MISLED CHILDREN
El nexo espiritual

Posiblemente la banda instrumental del misterioso Clutchy Hopkins siempre anda buscando nuevos horizontes en su música. En ella se precisa una voluntad de entusiasmo por retornar instrumentos en vivo ajustados y ejecutados en actitud hip-hop, aunque el resultado es mucho más que eso. Su web aparece reseñada en la galleta del primer planchado de Clutchy, aunque su verdadero álbum de vinilo rojo “Meet Odean Pope”, Porter Records en 2008, es el verdadero equilibrio orgánico entre los dos estilos mencionados. En espera de lanzar su segundo álbum “Peoples Market”, Porter Records, a mediados de agosto del 2009, y con estrecho intercambio de mochilas entre la banda y el propio barbudo con camisa de rayas.

SHAWN LEE
Fructífera ubiquidad

No se sabe con certeza. Ciertos rumores peliagudos indican que detrás de Shawn Lee se esconde Clutchy Hopkins, y que detrás de este, Money Mark. Existen sorprendentes casualidades a su favor que por motivos de espacio, no entraremos en cuestiones comparativas. ¿Amigo de sus amigos? Hemos superado esa etapa. Y estamos muy interesados en evitar toda clase de confusión. Tenemos un nuevo personaje en el anonimato, un nuevo dedo en la llaga. Su argumento se trasladó a Londres, donde grabó su debut en solitario, en 1995, y con la ayuda de Gilles Peterson. Un álbum que por circunstancias de la vida no fue grabado. Bajo el legado de batería registró otras siguientes series, “Planet of The Breaks”, y cinco volúmenes titulados “Ape breaks”. Su música la define él mismo como un misteriosa que funciona en más de un nivel. El polo magnético de los estilos es tan extenso, variable y diluido como el recorrido y la calidad de sus seis entregas, las huellas de “Ping Pong Orchestra”, abogando las célebres locuras sobre la música. A lo largo sonando a funk, a jazz, a hip-hop, a reggae, a psicodélia y a pista de baile. Parece ser capaz de poner cada beat donde quiere. Sobre Miles, Axelrod, Ayers, Stepney, Morricone, Esquivel, incluso Gainsbourg. Por supuesto, el sonido, no tiene nada que ver con el génesis de los discos originales. Shawn Lee derrumba con autoridad el copyright. Seis viajes, seis historias. Y no podemos perder detalle de cada una de las eléctricas. Uno, el EP “Miles Of Styles”, Ubiquity, 2006, el callejón oscuro. Dos, “Moods And Grooves”, Ubiquity 2006, Schiffrin late lleno de humo. Tres, “Strings & Things” Ubiquity, 2007, película cinematográfica de territorio. Cuatro, “Voices and Choices”, Ubiquity, 2007, espagueti occidental, con las voces invitadas de Ohmega Watts, Nino Moschella y Pierre D. Cinco, “Hit´s the Hits”, Ubiquity, 2007, el tema “Hey Ya” combate a duelo con el de “Clint Eastwood”. Seis, “A Very Ping Pong Chrismas”, Ubiquity 2007, con un invitado de lujo, el fabuloso Chico Hamilton, finales de una noche fría de invierno. Y Seis, el EP “Kiss The Sky”, Ubiquity, 2007, con Nino Moschella, inspirador de la metrópolis.

Algo que vemos reflejado en Ubiquity y Shawn Lee son sus álbumes cada vez más conceptuales y esculturales. “Soul In The Hole”, su último LP, tributo modal a los años pre y postpsicodélicos, facturado apenas hace un mes en la prensa de Ubiquity. Destaca claramente todo el coro ornamentado en la estela de ilustres invitados. Paul Butler (The Bees), Nicole Willis, Darondo, Karime Kendra, Fanny Franklin y Kirin Lee.

XPO HIJOS DEL GRAFFITI

2009-12-27T12:00:00.000-08:00

scanner y colección Thabeat
publicado en Serie B

Freak Out! se ha hecho responsable de ofrecer uno de los eventos más significativos de lo que va de año. Con su acción, demuestran que sirven para mucho más que quemar unas horas de ocio. El pasado sábado 7 de Noviembre 2009, tuvo lugar la inauguración de la exposición colectiva: Hijos del Graffiti. Un evento obligado y ubicado en la coctelería de grandes dimensiones, Mundaka, situada en el barrio gótico de Barcelona.

La exposición es una muestra de un colectivo de pioneros de la historia del Graffiti de Barcelona, que durante la década de los 80, o bien, principios los 90, participaba de forma activa en las calles de la ciudad plasmando sus piezas y a los que el devenir de los tiempos ha llevado por diferentes rumbos. En esta exposición se reúne su evolución artística exponiendo obras libres con diversas técnicas.

En la exposición participan las obras originales de: Fasim, Biz, El Cisco, Fosa, Rodri, Prince, Blop, Keis, Dios, Raso, Héroe, Dose, El Xupet Negre, Cha Noir, El Pez, Shot, Flan, Owen, Kram, 3Duardoors, Boren, Thabeat.

Todo empezaba a las 20:00 horas. MAGMOVIES se encargaba de las proyecciones. Un asombroso tour fotográfico: las piezas de graffiti que han raído la historia de los muros de Barcelona, sus más íntimos secretos y sus más olvidados originales. Todo ello se amenizaba con las sesiones y la exquisitez musical a cargo de DJ Cad 73 y Dive Dibosso.

El resultado obtenido es toda una garantía de éxito. Pudimos comprobarlo por nosotros mismos, y por comentarios de numerosos míticos escritores, amigos y demás curiosos asistentes que se acercaron. Para quienes coleccionan datos, anotad que, hubo una avalancha de público que desbordó cualquier previsión posible, y agotó la reserva de cervezas, a pesar de la crisis. O tal vez debido a ella, lo que demuestra que sólo estamos metidos en un mal momento económico, no cultural. Por este lado, la fiel masificación que se dio, realmente amplió las posibilidades y los impulsos motores de los escritores de graffiti. Para cerrar, otro slogan; ambas cosas son difíciles de conseguir. Y quien no esté de acuerdo, que nos desmienta si puede.

La exposición colectiva, Hijos del Graffiti, permanecerá abierta hasta este sábado 21 de Noviembre en MUNDAKA, C/ Mercé, 27..

BUNKER STORE

2009-12-27T03:16:00.000-08:00

scanner y colección Thabeat entrevista y texto por Thabeat publicado en Serie B Magazine nº 16

Una de mis apasionadas facetas por patear la ciudad y los extraradios con la cámara bajo el brazo. Esta foto la saqué en verano del 91 y fue uno de los primeros MOOCKIE que divisé. Por el estilo de letra y grupo (SAC) esta pieza pertenece a finales de los 80.

MOOCKIE: PORQUE TU LO VALES LAS FORMAS, EL ENTORNO, LOS COLORES Y UNA GAMA DE ACTITUDES SIN PRECEDENTES

Toda influencia impartida puede ser el inicio de un largo y silencioso camino hacia la búsqueda de un propósito. Veintitantos años preocupado en dotar cada una de las disciplinas, avalan su adentrada dedicación.

“Empecé bailando poppin´ a principios de los 80. WYN (Write Your Name) fue mi primer zine junto a Sesac. Variado a ETN (Escribe Tu Nombre) John Lexy, Bogart y yo. El contenido era bastante anárquico. 7MS (7 Malignos) junto a Lexy, John, Bogart y Cruze, entre otros. Grupo de pocos murales y mucho bombardeo. También colaboré como fotógrafo para 14K. Envié fotos de varios escritores a la revista de Suiza. Cruze era el encargado de la selección internacional. "

Moockie ha trazado las formas a favor de una proyección internacional, cuando apenas el nivel español era parvulario europeo del b.boying y graffiti.

"Conocí a Jonone en 1991. Aquel verano unos cuantos amigos decidimos hacer un inter raíl por toda Europa. El día de la partida se aproximaba y cada vez éramos menos, así que fuí yo solo. A través de tantos países, conocí a muchísimos artistas con otros estilos. ¡Perfecto! Pasé a formarparte de la crew 156. A modo de refresco voy cambiando el nombre: Clyde, Sadik, Slump, Wait..."

BUNKER STORE es y será el símbolo evolutivo de esta plataforma autogestionada y dirigida por él mismo con la impecable ayuda de Puke.

"Puke a sido una persona muy importante. Black Book fue su idea basada en bocetos (el primer zine tamaño cuartilla [A5]). Electroclub fue la falta de locales donde escuchar electro y sus variantes animaron a Spy y a Puke. Ayudé en la parte gráfica"

Arriesgado compromiso para facilitar una depurada entrega de especialización y desarrollo. Arquetipos de antiguos y nuevos manifiestos puestos al servicio de cualquier inquietud.

Durante dos años ofrecimos una serie de cinco esposiciones colectivas dentro de Bunker Store: ORGANIC. Para finalizar, recopilamos las obras en la galería Iguapop como punto central y también en Montana Shop & Gallery, Carhartt Shop y Bunker Store. Henry Chalfant buscaba un lugar donde exponer. La idea de incorporar su expo a la nuestra le gustó. Organic se convirtió en un evento donde además la editorial Colorszoo presentó su primer libro Welcome to Colorszoo.

Sólo el riesgo y las ganas de divulgar la cultura han llevado a crear una tienda de estas características. Es toda la memoria de nuestro primer punto de encuentro. En un limitado contexto y con escasez de potencia comercial se arrinconó hacia los ámbitos efervescentes de la propia escena independiente. Ahora lo hace nuestra privilegiada memoria.

"Josep Riau nos propuso colaborar en la organización de Aerosol Art 1994. Durante los dos días unos 200 escritores de toda Europa pintarían dentro del Pueblo Español. Un éxito. Montana Colors nació por necesidad: el graffiti avanzaba rapidamente, y para un escritor la escasa variedad de colores era un grave problema. Jordi Rubio creó la marca, Kapi y yo le ayudamos como asesores. Junto a Kapi decidimos organizar la Battle of the Year 2000 y de esa forma promocionar el breakdance y todos sus sentidos."

Quizás todo sea fantástico porque el sol se levanta para todos, pero; ¡OJO! Un referente en Europa ha cerrado sus puertas y a nadie le interesa. Y es que el tiempo ha dispensado el peor de sus dones, el olvido.

"El vinilo es nuestra principal dedicación. Nuestros discos son utilizados para el hip hop por un concepto de calidad musical y visual, esto quiere decir que no solo vendemos rap. Desde funk, jazz, electro, battle breaks o techno pop. También pintura. Un artista de graffiti no solo busca graffiti, la curiosidad va más allá. La serigrafía: nuestros propios modelos debido al encarecimiento de la ropa."

El mundo es cada vez más variado y abierto, pero el propio panorama parece ignorar la trascendencia, la comprensión y los valores de esta tienda única, con más de quince años de buen hacer en Barcelona.

"G.O. (Game Over Mgz) surgió hablando del tema con Kapi. Yo tenía ganas de un zine más elavorado y él me prepuso de hacerlo juntos. La tienda sería lo inmediato ya que no había ningún otro sitio especializado en graffiti. Fried Green Tomatoes fue creado para mostrar otras variantes más allá del graffiti convencional. ."

Los que ahora se dedican a explotar la cultura con fines mercantiles han privatizado el circuito y han reventado un mercado con la saturación de mugre. Y eso no es cultura, más bien, un buen epitafio.

"ACME se creó en 1994 con Zeta, Chop, Nest, Kapi, Musa y yo. Solía viajar mucho por madrid y pintado encajábamos. Quizás recargábamos los muros. Teníamos una actividad desorbitada, en grupo e individualmente. En 1995, Addictos, con Fran, Abraham, Alexis, Kapi, Zeta y yo. Elektrodomesticos fue en 1998, Khosmaker y Zeta presentaron un proyecto musical en Yo Gano, que aceptó encantado. Participamos Zeta, Kapi, Khosmaker, Split, Kenoby, N´fecto y Sace 2 entre otros. Dentro del hip hop se echaba en falta el sonido electro."

¿"Barcelona la millor botiga del món"? Qué difícil será poder ofrecer otra sonrisa sin que nadie nos diga lo imbéciles que somos.

"He participado para muchas empresas y proyectos alternativos. Cuando me piden un diseño quieren mi estética. Si un trabajo no implica estilo propio, no me interesa. El diseño de uno de los "Fatcaps" para KidRobot, es quizás el que ha tenido más repercusión. Cada oferta se convierte en un desafio."

Este texto está dedicado a la extrema y valiosa voluntad de Moockie y Puke.

RAMMELLZEE

2009-12-27T03:02:00.001-08:00

RAMMELLZEE: GARBAGE GOD COSMOLOGIST
artwork por Thabeat Valera

collage 25 x 23 cm september, 2006 artwork Thabeat Valera

contacto, texto y entrevista por Thabeat
collages cabecera por Thabeat
publicado en Serie B Magazine nº16

HOMEMADEIN

2009-12-26T05:29:00.001-08:00

scanner y colección Thabeat
arte por Thabeat

El palo y la piedra. Las armas primitivas desde que originó la humanidad. Sencillo, ¿no? Algunos humanos, ingeniosos y apañados, han ido creando sus propios objetos desafiantes sin más complicaciones. Si tenemos en cuenta que la tipografía es el golpe o huella, HOME MADE IN es el artefacto que cumple con la etimología del propio graffiti; la construcción de nuestro propio marcador para el bombardeo. Reúne la esencia de todo arte bélico. Un recurso popular barato, subterráneo, pernicioso, casero y simple. En definitiva, el ideal.

Ninguna empresa fabrica el producto adecuado en el momento adecuado. Los objetos cotidianos han otorgado todo tipo de facilidades para la elaboración del rotulador artesanal. El soporte, basado desde el clásico pote del carrete de fotos, hasta el desodorante o el pegamento en barra. Recortar el borrador de pizarra de felpa y crear con ello la punta. Cuadrada u oblicua. Tú decides el grosor y su resultado final. Algunos bajos y ahuesados. Otros, con la punta atada, suficientemente ancha y resistente para realizar el máximo trazo posible. Sustituto de la tiza, el Kampfor, el edding 800 o el Kores naranja. Tan antiguo como cualquier tinta de droguería. Válido con laca de bombilla, edding, instamark, tinte Buffalo, o la propia Titan, diluida con alcohol isopropílico. Su apodo muy sonoro entre los escritores. Un elemento de culto, oculto. Los únicos y originales rotuladores. Los emuladores de fábrica no sirven cuando intentas reflejar un concepto bastante olvidado.

TREINTA TREINTA

2009-12-26T05:09:00.000-08:00

TREINTA-TREINTA, CD-MIX, 2008
rotring, acuarela, collage and mixedmedia
artwork by Thabeat Valera, 2008